Cancionista y actriz
(10 de febrero de 1917 - 25 de mayo de 2006)
Nombre completo: Aída da Lus de Roca
Nació en la localidad de Alejandro Korn, en la provincia de Buenos Aires. Hija de Juan da Lus de Roca y Josefa Borbón, uno de sus hermanos sería figura importante del teatro, cine y la televisión, me refiero a Jorge Luz.
Desde su niñez demostró grandes condiciones para el canto y la actuación. Por ese motivo, ingresó a estudiar en la importante academia PAADI, dirigida por los hermanos Rubistein (avenida Callao 420). Y, a los 19 años, debutó como cancionista en Radio La Nación que a partir de 1937 pasó a llamarse Radio Mitre.
En 1936, por recomendación del cantor Ernesto Famá, realizó un pequeño papel en la película "Loco lindo", dirigida por Arturo S. Mom, cuyos principales protagonistas fueron Luis Sandrini, Sofía Bozán, Tomás Simari, Juan Sarceni, Pedro Fioriti y Famá, quien canta el tema de Carlos Di Sarli y del escritor Conrado Nalé Roxlo (Chamico), "Loco lindo".
Ese mismo año, participó nuevamente en el cine, en el film "Ya tiene comisario el pueblo", codirigida por Claudio Martínez Payva y Eduardo Morera, junto a Agustín Irusta, Roberto Fugazot y Leonor Rinaldi, entre otros.
Paralelamente, continuó cantando con éxito en Radio Mitre, compartiendo la cartelera de la emisora junto a Carmen Duval, Aída Denis y Yola Yoli.
Después, actuó junto al cantor Alberto Gómez en "De la sierra al valle", de Antonio Ber Ciani (1938); con Tito Lusiardo y el cantor Osvaldo Moreno; en "El sobretodo de Céspedes", de Leopoldo Torres Ríos (1939) y, en 1940, cantó su primer tango para el cine, "El pañuelito", en la película de Luis Bayón Herrera; "Los celos de Cándida", cuya protagonista principal era Niní Marshall. Ese año y con el mismo director, fue la figura principal en "Amor", junto a Pepita Serrador y Adolfo Stray.
Lamentablemente para el tango, resulta evidente que en su corazón primaba la actriz sobre la cancionista. Así se sucedieron, sin solución de continuidad, innumerables películas y presentaciones teatrales, nombraremos las más destacadas:
"Cuando canta el corazón", de Richard Harlan, junto al consagrado Hugo del Carril, donde cantan a dúo: "Buenos Aires", "La morocha" y "Dónde estás corazón" (1941).
"Papá tiene novia", de Carlos Schlieper, con Amanda Ledesma (1941); "La piel de zapa", de Bayón Herrera, con Hugo del Carril, en la que hacen a dúo "La noche de mis sueños" (1943).
"Pobre mi madre querida", inolvidable film codirigido por Homero Manzi y Ralph Pappier, junto a Hugo del Carril y la actriz italiana Emma Gramática (1948); "El último payador", de los mismos directores, nuevamente junto a Hugo del Carril, en homenaje a José Betinotti (1950).
Un párrafo aparte merece "El patio de la morocha" (1953), sainete lírico de Cátulo Castillo , con la dirección musical de Aníbal Troilo, donde hace el papel protagónico. Curiosamente, ese personaje había sido ofrecido primero a Virginia Luque, quien no aceptó por discordancias con la producción. Fue uno de los espectáculos más exitosos, con la participación del cuarteto Troilo-Grela y los cantores, Agustín Irusta, Jorge Casal y Raúl Berón. Aída estrenó el tango "Patio mío" y la habanera "La retrechera", en las que, pese al tiempo trascurrido, demostró que su voz y su calidad interpretativa estaban intactas.
Al finalizar la extensa temporada teatral, la empresa Odeon, la convocó a registrar para su sello subsidiario Pampa, los temas del sainete y, en otro disco, los tangos "El pañuelito" y "Milonguita".
Luego de este breve pero exitoso regreso al canto, esta estrella tan ligada a nuestra música ciudadana, regresó a su verdadera vocación de actriz, con una magnífica trayectoria avalada por los más importantes premios: Martín Fierro, Ace de oro, San Gabriel, Konex, Cóndor de oro, Estrella de Mar, Blanca Podestá y el mayor de todos ellos, el reconocimiento del público.
Bienvenidos!! A Radio ElviejoWinco La Mejor Música Que Usted Siempre Quiso Volver A Escuchar. Música De Los 50, 60, 70 y 80, Porque Como Siempre, Es Algo Para Recordar.
jueves, 18 de septiembre de 2014
Alain debray
Como miembro de las distintas formaciones de Astor Piazzolla, grabó quince discos.
Su obra tanguística personal, abierta al jazz y, también, a la bossa nova, también es extensa, con proyectos junto a músicos como Leopoldo Federico y Daniel Binelli.
Musicalizó numerosas películas. Considerado pionero del jazz moderno en la Argentina y el primer guitarrista local de bebop. Y, sin embargo, hasta hace relativamente poco no había ninguna grabación que llevara su nombre al frente de una formación. La carencia fue solucionada por el sello Melopea con una grabación de 1964: Horacio Malvicino Jazz Quinteto, el disco que resultó de aquellas antológicas grabaciones en el auditorio de la Radio Ciudad de Buenos Aires.
Dicho ciclo de Radio Ciudad incluyó a las figuras más representativas de distintos géneros, y por allí pasaron Enrique Villegas, los Hermanos Abalos y Horacio Salgán, entre otros. "Eran audiciones cortas, de quince minutos, pero que tenían una audiencia impresionante", recuerda Malvicino. La formación del disco se completa con Horacio "Chivo" Borraro en saxo tenor, Santiago Giacobbe en piano, Mario "Mojarra" Fernández en bajo, Rolando "Oso" Picardi en batería y Oscar Alem como invitado en un tema, tocando el bajo. El repertorio abarca desde standars de jazz de los más revisitados como Misty hasta Tune Up de Miles Davis, un tema que lleva la firma de Borraro o una reunión de Improvisaciones sobre blues. O sea, todo aquello que tenían ganas de tocar. "Y todo totalmente improvisado, como corresponde al jazz", advierte el guitarrista. "Fue tan encantador vivir los encuentros con aquel grupo... Era como jugar en la delantera del seleccionado. Nos conocíamos tanto que con sólo mirarnos ya sabíamos lo que iba a pasar", dice, y enseguida aclara: "De más está decir que la grabación está hecha con otra tecnología, se grababa con un solo micrófono y el técnico tenía que tener en cuenta la ubicación de todos los instrumentos. Y todo iba directamente, sin pruebas previas." Como cierre del CD, se escucha el anuncio de una locutora que sitúa al oyente en la época: "Un programa similar, con Horacio Malvicino y su quinteto de jazz, el próximo miércoles, siempre en el horario de las 19.30".
Don Nobody y Alain Debray fueron los sinónimos que Malvicino utilizó para enmascararse frente a los puristas del jazz y hacer música "comercial" con tranquilidad. Pero Malveta es como siempre lo llamaron sus amigos. En Concordia, donde vivió hasta los 18 años, conoció a Django Renjardt y Chary Christian gracias a un amigo coleccionista. Cuando llegó a Buenos Aires se fascinó con el llamado movimiento bopper, y junto a músicos como el Gato Barbieri, Lalo Schifrin y el Mono Villegas le rindió culto en el Bop Club, el lugar donde nacieron los primeros intentos por desarrollar el jazz moderno en la Argentina. Hasta aquel club de Congreso lo fue a buscar Piazzolla para pedirle que formara parte del primer Octeto que concretaría de 1955 a 1958. Y lo siguió convocando hasta la disolución de su último Sexteto. "Tuve la satisfacción de que el Tano me llamara cada vez que se le ocurría. He entrado y salido diez veces de sus agrupaciones", comenta el guitarrista. "'O dejás a Piazzolla o te reventamos'", cuenta que le decían en aquella época por la calle, sin mucha metáfora. "Amenazas de ese tipo recibía todos los días. Llamadas telefónicas, anónimos, tomatazos, tipos que me puteaban por la calle. Para peor yo era la guitarra eléctrica: el objeto maldito dentro del tango."
En el libro de memorias de Piazzolla que recopiló Natalio Botana se lee la opinión del bandoneonista sobre Malvicino: "Es el guitarrista que mejor comprendió todo lo que yo escribí, tal vez porque es el más tanguero de los tres" (los otros eran Cacho Tirao y Oscar López Ruiz). Malvicino elude el cumplido y explica el camino recorrido: "Me pasé la vida al lado de Piazzolla y su maravillosa influencia que no se me va a ir así nomás. Pero yo quiero seguir haciendo mis cosas", explica, por si tuviésemos dudas.
Su obra tanguística personal, abierta al jazz y, también, a la bossa nova, también es extensa, con proyectos junto a músicos como Leopoldo Federico y Daniel Binelli.
Musicalizó numerosas películas. Considerado pionero del jazz moderno en la Argentina y el primer guitarrista local de bebop. Y, sin embargo, hasta hace relativamente poco no había ninguna grabación que llevara su nombre al frente de una formación. La carencia fue solucionada por el sello Melopea con una grabación de 1964: Horacio Malvicino Jazz Quinteto, el disco que resultó de aquellas antológicas grabaciones en el auditorio de la Radio Ciudad de Buenos Aires.
Dicho ciclo de Radio Ciudad incluyó a las figuras más representativas de distintos géneros, y por allí pasaron Enrique Villegas, los Hermanos Abalos y Horacio Salgán, entre otros. "Eran audiciones cortas, de quince minutos, pero que tenían una audiencia impresionante", recuerda Malvicino. La formación del disco se completa con Horacio "Chivo" Borraro en saxo tenor, Santiago Giacobbe en piano, Mario "Mojarra" Fernández en bajo, Rolando "Oso" Picardi en batería y Oscar Alem como invitado en un tema, tocando el bajo. El repertorio abarca desde standars de jazz de los más revisitados como Misty hasta Tune Up de Miles Davis, un tema que lleva la firma de Borraro o una reunión de Improvisaciones sobre blues. O sea, todo aquello que tenían ganas de tocar. "Y todo totalmente improvisado, como corresponde al jazz", advierte el guitarrista. "Fue tan encantador vivir los encuentros con aquel grupo... Era como jugar en la delantera del seleccionado. Nos conocíamos tanto que con sólo mirarnos ya sabíamos lo que iba a pasar", dice, y enseguida aclara: "De más está decir que la grabación está hecha con otra tecnología, se grababa con un solo micrófono y el técnico tenía que tener en cuenta la ubicación de todos los instrumentos. Y todo iba directamente, sin pruebas previas." Como cierre del CD, se escucha el anuncio de una locutora que sitúa al oyente en la época: "Un programa similar, con Horacio Malvicino y su quinteto de jazz, el próximo miércoles, siempre en el horario de las 19.30".
Don Nobody y Alain Debray fueron los sinónimos que Malvicino utilizó para enmascararse frente a los puristas del jazz y hacer música "comercial" con tranquilidad. Pero Malveta es como siempre lo llamaron sus amigos. En Concordia, donde vivió hasta los 18 años, conoció a Django Renjardt y Chary Christian gracias a un amigo coleccionista. Cuando llegó a Buenos Aires se fascinó con el llamado movimiento bopper, y junto a músicos como el Gato Barbieri, Lalo Schifrin y el Mono Villegas le rindió culto en el Bop Club, el lugar donde nacieron los primeros intentos por desarrollar el jazz moderno en la Argentina. Hasta aquel club de Congreso lo fue a buscar Piazzolla para pedirle que formara parte del primer Octeto que concretaría de 1955 a 1958. Y lo siguió convocando hasta la disolución de su último Sexteto. "Tuve la satisfacción de que el Tano me llamara cada vez que se le ocurría. He entrado y salido diez veces de sus agrupaciones", comenta el guitarrista. "'O dejás a Piazzolla o te reventamos'", cuenta que le decían en aquella época por la calle, sin mucha metáfora. "Amenazas de ese tipo recibía todos los días. Llamadas telefónicas, anónimos, tomatazos, tipos que me puteaban por la calle. Para peor yo era la guitarra eléctrica: el objeto maldito dentro del tango."
En el libro de memorias de Piazzolla que recopiló Natalio Botana se lee la opinión del bandoneonista sobre Malvicino: "Es el guitarrista que mejor comprendió todo lo que yo escribí, tal vez porque es el más tanguero de los tres" (los otros eran Cacho Tirao y Oscar López Ruiz). Malvicino elude el cumplido y explica el camino recorrido: "Me pasé la vida al lado de Piazzolla y su maravillosa influencia que no se me va a ir así nomás. Pero yo quiero seguir haciendo mis cosas", explica, por si tuviésemos dudas.
Los iracundos
El grupo se formó en 1958 en Paysandú, Uruguay, y contaba con seis miembros.
Inicialmente se auto denominaron los Blue Kings ya que en esa época estaban de moda los nombres en inglés; pero luego, adoptaron el nombre de Los Iracundos, debido al ingreso a la poderosa disquera RCA VICTOR.
Eduardo Franco (vocalista, compositor, arreglista), su hermano Leonardo Franco (primera guitarra), Juan "Bosco" Zabalo (segunda guitarra), Juan Carlos Velásquez (batería), Hugo Burgueño (bajo electrónico y coros) y Jesús María Febrero (teclados) fueron los seis integrantes originales del grupo. En realidad hubo un séptimo integrante, llamado José María Brunini, que si bien no llegó a grabar con el grupo formó parte de él en su etapa de gestación y lo dejó por exigencias paternas para seguir estudios de contabilidad.
Los Iracundos alcanzaron fama internacional a mediados de los 60 con temas románticos juveniles como Calla, Todo terminó, El desengaño, La lluvia terminó Felicidad, felicidad, El triunfador y Es la lluvia que cae, tema incluido en el álbum Iracundos en Roma, el más exitoso de esta década, éxitos que los llevan a incursionar, incluso, en el cine, en varias oportunidades como invitados y en una de ellas como protagonistas, en la película Este loco verano donde además interpretaban las canciones de su repertorio.
Su debut se produce el 10 de octubre de 1961, en el histórico Teatro Florencio Sánchez de la ciudad de Paysandù y en menos de dos años tenían grabado su primer simple en Montevideo, en el sello musical Clave, el cual contenía los temas Reten la noche y Madison. Además grabaron los temas A saint Tropez y Despierta Lorenzo.
Puerto Montt, composición de Eduardo Franco y Cacho Valdez, es sin duda la canción emblema del grupo, siendo grabada el 16 de octubre de 1968 en los estudios de la RCA-ARGENTINA y presentada en el II Festival Buenos Aires de la Canción el 11 de noviembre de 1968 quedando en segundo lugar de dicho evento, siendo el más recordado en el mundo de la banda.
En los 70 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como Te lo pido de rodillas, Y te has quedado sola, Chiquilina, Soy un mamarracho, Río verde, Infidelidad es tu traición, Marionetas de cartón, Cada noche mía, Me estás matando, Y me quedé en el bar, Tú me diste amor, Pasión y vida.
Sacando un álbum por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta década el grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus integrantes, siendo Eduardo Franco el creador de un estilo único, romántico y en su mayoría, rotundamente exitoso. Así también se editan un total de 6 álbumes con temas instrumentales, entre ellos Tango joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas Eduardo Franco interpreta El último café. También grabaron varios EP, Mini plays y discos de 45. Entre ellos está el Miniplay Los Iracundos para niños con 4 temas como Pedimos pido, La mala palabra, Pepito Agustín y Pedrito el mentiroso.
Continuaban grabando año tras año, en toda la década de los 70, con producciones que contenían temas de la composición de Eduardo Franco, como son Y me quedé en el bar, Cada noche mía, Como pretendes que te quiera, Fue una fábula.
Inicialmente se auto denominaron los Blue Kings ya que en esa época estaban de moda los nombres en inglés; pero luego, adoptaron el nombre de Los Iracundos, debido al ingreso a la poderosa disquera RCA VICTOR.
Eduardo Franco (vocalista, compositor, arreglista), su hermano Leonardo Franco (primera guitarra), Juan "Bosco" Zabalo (segunda guitarra), Juan Carlos Velásquez (batería), Hugo Burgueño (bajo electrónico y coros) y Jesús María Febrero (teclados) fueron los seis integrantes originales del grupo. En realidad hubo un séptimo integrante, llamado José María Brunini, que si bien no llegó a grabar con el grupo formó parte de él en su etapa de gestación y lo dejó por exigencias paternas para seguir estudios de contabilidad.
Los Iracundos alcanzaron fama internacional a mediados de los 60 con temas románticos juveniles como Calla, Todo terminó, El desengaño, La lluvia terminó Felicidad, felicidad, El triunfador y Es la lluvia que cae, tema incluido en el álbum Iracundos en Roma, el más exitoso de esta década, éxitos que los llevan a incursionar, incluso, en el cine, en varias oportunidades como invitados y en una de ellas como protagonistas, en la película Este loco verano donde además interpretaban las canciones de su repertorio.
Su debut se produce el 10 de octubre de 1961, en el histórico Teatro Florencio Sánchez de la ciudad de Paysandù y en menos de dos años tenían grabado su primer simple en Montevideo, en el sello musical Clave, el cual contenía los temas Reten la noche y Madison. Además grabaron los temas A saint Tropez y Despierta Lorenzo.
Puerto Montt, composición de Eduardo Franco y Cacho Valdez, es sin duda la canción emblema del grupo, siendo grabada el 16 de octubre de 1968 en los estudios de la RCA-ARGENTINA y presentada en el II Festival Buenos Aires de la Canción el 11 de noviembre de 1968 quedando en segundo lugar de dicho evento, siendo el más recordado en el mundo de la banda.
En los 70 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como Te lo pido de rodillas, Y te has quedado sola, Chiquilina, Soy un mamarracho, Río verde, Infidelidad es tu traición, Marionetas de cartón, Cada noche mía, Me estás matando, Y me quedé en el bar, Tú me diste amor, Pasión y vida.
Sacando un álbum por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta década el grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus integrantes, siendo Eduardo Franco el creador de un estilo único, romántico y en su mayoría, rotundamente exitoso. Así también se editan un total de 6 álbumes con temas instrumentales, entre ellos Tango joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas Eduardo Franco interpreta El último café. También grabaron varios EP, Mini plays y discos de 45. Entre ellos está el Miniplay Los Iracundos para niños con 4 temas como Pedimos pido, La mala palabra, Pepito Agustín y Pedrito el mentiroso.
Continuaban grabando año tras año, en toda la década de los 70, con producciones que contenían temas de la composición de Eduardo Franco, como son Y me quedé en el bar, Cada noche mía, Como pretendes que te quiera, Fue una fábula.
Paul Anka
Paul Anka nació el 30 de julio 1941en Ottawa en una familia muy unida de Canadá, Paul Anka no perdió mucho tiempo en llegar a su vida en la música comenzó. Cantó en el coro de la iglesia y estudió piano. Él perfeccionó sus habilidades de escritura con los cursos de periodismo, incluso trabajando para una temporada en el Ottawa Citizen. A los 13, él tenía su propio grupo vocal, los Bobbysoxers. Actuó en todas las noches de aficionados que podía llegar en coche de su madre, sin su conocimiento, por supuesto. Poco después, ganó un viaje a Nueva York, al ganar un concurso de sopa Campbell de IGA Food Stores que le obligaba a pasar tres meses cobrando la sopa de etiquetas pueden. Fue allí donde su sueño se solidificó, se le va a hacer como compositor cantante, no había duda en su mente tenaz joven.
En 1956, convenció a sus padres que le dejaran viajar a Los Angeles, donde llamó a todas las empresas de registro en la guía telefónica en busca de una audición. Una reunión con Modern Records condujeron a la liberación del primer single de Anka, "Blau-Wile Deverest Fontaine." No fue un éxito, pero Anka mantiene tapar lejos, hasta el punto de colarse en el camerino de Fats Domino para conocer al hombre y su gerente en Ottawa. Cuando Anka regresó de Nueva York en 1957, marcó una reunión con Don Costa, el hombre de A & R para la cadena ABC-Paramount Récords. Le jugó un puñado de canciones que incluyeron "Diana" - Costa fue debidamente entusiasmados con el potencial de la joven cantante y compositor. El rápido éxito y la enorme cantidad de "Diana" - su primer número uno golpeado - le hizo una estrella.
"Todos ellos son muy autobiográficas", dice Anka de sus primeros éxitos. "Yo estaba solo, los viajes, las chicas gritando, y nunca tuve cerca de ellos. Soy un adolescente y sentirse aislado y todo eso. Eso se convierte en "Lonely Boy". En los saltos de registro, estoy en el escenario y todos estos niños son la celebración de unos a otros con la cabeza sobre los hombros del otro. Entonces tengo que ir a cenar en mi habitación, porque hay miles de niños fuera del hotel - "Pon tu cabeza en mi hombro" era totalmente esa experiencia.
Pronto Pablo se encontró viajando en autobús con la "Cabalgata de Estrellas 'con los nombres más importantes del día en la era de la segregación, la realización de la Copa Cabana, el joven artista en hacerlo, y perfeccionar su arte, rodeado por los gustos de Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Frankie Lyman, y Chuck Berry.
En el momento de la llegada de los Beatles en los años sesenta, Anka tenía otra herramienta en su kit de supervivencia. "Después de unos cuantos golpes", dice, "Yo sabía que era un escritor, y con los escritores, el poder estuvo siempre en la pluma. Cuando empecé a escribir para Buddy Holly y Connie Francis, me sentí que me hizo diferente para la gente -. Me decían, '¡Hey, usted puede escribir, puede caer en algo "Entre sus logros de mayor orgullo fue escrito el premio de la Academia nominado al tema de El día más largo, la película de 1962 en el que también protagonizó.
Composición y la realización de "lo que se me dio la confianza para seguir adelante", dice. Convertirse en un socio menor de Sinatra y el Rat Pack también tenía sus privilegios. En los años 70, el éxito de "My Way" y una serie de éxitos como "(Eres) Having My Baby", confirmó su estatus como un icono de la música popular. Sus logros más tarde como un artista de la grabación incluye "Hold Me 'Til the Morning Comes", un dueto con el éxito de Peter Cetera en 1983, el álbum en español de Amigos en 1996, y el cuerpo de trabajo, un álbum de duetos de 1998 que contó con Frank Sinatra, Celine Dion, Patti LaBelle, Tom Jones y su hija Anthea Anka. Si esto no fuera suficiente, se reveló en su lanzamiento en 2009, que Anka co-escribió éxito póstumo uno en todo el mundo de Michael Jackson, "This Is It", que también ha cimentado su lugar a los compositores más prolíficos y versátiles de cualquier generación.
En 1956, convenció a sus padres que le dejaran viajar a Los Angeles, donde llamó a todas las empresas de registro en la guía telefónica en busca de una audición. Una reunión con Modern Records condujeron a la liberación del primer single de Anka, "Blau-Wile Deverest Fontaine." No fue un éxito, pero Anka mantiene tapar lejos, hasta el punto de colarse en el camerino de Fats Domino para conocer al hombre y su gerente en Ottawa. Cuando Anka regresó de Nueva York en 1957, marcó una reunión con Don Costa, el hombre de A & R para la cadena ABC-Paramount Récords. Le jugó un puñado de canciones que incluyeron "Diana" - Costa fue debidamente entusiasmados con el potencial de la joven cantante y compositor. El rápido éxito y la enorme cantidad de "Diana" - su primer número uno golpeado - le hizo una estrella.
"Todos ellos son muy autobiográficas", dice Anka de sus primeros éxitos. "Yo estaba solo, los viajes, las chicas gritando, y nunca tuve cerca de ellos. Soy un adolescente y sentirse aislado y todo eso. Eso se convierte en "Lonely Boy". En los saltos de registro, estoy en el escenario y todos estos niños son la celebración de unos a otros con la cabeza sobre los hombros del otro. Entonces tengo que ir a cenar en mi habitación, porque hay miles de niños fuera del hotel - "Pon tu cabeza en mi hombro" era totalmente esa experiencia.
Pronto Pablo se encontró viajando en autobús con la "Cabalgata de Estrellas 'con los nombres más importantes del día en la era de la segregación, la realización de la Copa Cabana, el joven artista en hacerlo, y perfeccionar su arte, rodeado por los gustos de Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Frankie Lyman, y Chuck Berry.
En el momento de la llegada de los Beatles en los años sesenta, Anka tenía otra herramienta en su kit de supervivencia. "Después de unos cuantos golpes", dice, "Yo sabía que era un escritor, y con los escritores, el poder estuvo siempre en la pluma. Cuando empecé a escribir para Buddy Holly y Connie Francis, me sentí que me hizo diferente para la gente -. Me decían, '¡Hey, usted puede escribir, puede caer en algo "Entre sus logros de mayor orgullo fue escrito el premio de la Academia nominado al tema de El día más largo, la película de 1962 en el que también protagonizó.
Composición y la realización de "lo que se me dio la confianza para seguir adelante", dice. Convertirse en un socio menor de Sinatra y el Rat Pack también tenía sus privilegios. En los años 70, el éxito de "My Way" y una serie de éxitos como "(Eres) Having My Baby", confirmó su estatus como un icono de la música popular. Sus logros más tarde como un artista de la grabación incluye "Hold Me 'Til the Morning Comes", un dueto con el éxito de Peter Cetera en 1983, el álbum en español de Amigos en 1996, y el cuerpo de trabajo, un álbum de duetos de 1998 que contó con Frank Sinatra, Celine Dion, Patti LaBelle, Tom Jones y su hija Anthea Anka. Si esto no fuera suficiente, se reveló en su lanzamiento en 2009, que Anka co-escribió éxito póstumo uno en todo el mundo de Michael Jackson, "This Is It", que también ha cimentado su lugar a los compositores más prolíficos y versátiles de cualquier generación.
Johnny Rivers
John Henry Ramistella conocido como Johnny Rivers
nació el 07 de noviembre 1942 en Nueva York
cantante estadounidense roll, compositor, guitarrista y productor discográfico. Él era lo suficientemente versátil como para hacer canciones folk, blues, y avivamientos de los viejos tiempos del rock 'n' roll canciones y algún material original. Ríos es el más grande éxito llegó en la década de 1960 a mediados y finales con una serie de canciones exitosas, incluyendo "Seventh Son", "Poor Side de la ciudad", "Lluvia de verano", y "Secret Agent Man"), pero no ha dejado de grabar y realizar hasta el presente.
Durante 1960, Ríos se reunió compañeros Luisiana James Burton, el guitarrista de Ricky Nelson. Burton recomienda más adelante una de las canciones de Rivers a Nelson, quien lo grabó. Durante 1961, Ríos se fue a Los Ángeles para conocer a Nelson, y luego se trasladó allí, trabajando como compositor y músico de estudio. Durante 1963, Ríos ha sustituido temporalmente por un grupo de jazz en el club nocturno de Bill Gazzarri, el concierto se convirtió en temporal a largo plazo debido a la respuesta positiva de los clientes.
Durante 1963, Ríos fue elegido por los productores de la serie de televisión británica "Danger Man", protagonizada por Patrick McGoohan, que, a cantar el tema principal de la versión de EE.UU., "Secret Agent". El espectáculo en sí no tuvo éxito, pero fue el tema. Aunque la canción fue un solo versículo (y después el coro se había registrado), Ríos tuvo la idea de añadir dos versos más, a continuación, disco en vivo en el Whiskey A-Go-Go, lo que se convirtió en su primer Top Ten de éxito (1964). "Secret Agent Man", anotó el número 4 en las listas de éxitos, y ayudó a iniciar la carrera de Rivers como cantante rentable.
Durante 1964, Elmer Valentine dio Ríos un contrato de un año para abrir en su nuevo club nocturno Whisky, a Go Go, de Sunset Strip en West Hollywood. El Whisky a Go Go abrió tres días antes de que los Beatles lanzaron "I Wanna Hold Your Hand" y la llamada "invasión británica" reduce las puntuaciones de las historias clínicas de casi todos los artistas musical americano. Sin embargo, Rivers fue tan popular que el productor Lou Adler decidió emitir Johnny Rivers en vivo en el Whiskey A Go Go . El álbum en directo anotado # 12 en las listas y el single "Memphis" alcanzó el Hit Parade de EE.UU. # 2 lugar en julio de 1964. De acuerdo a un amigo de Elvis Presley y el empleado Alan Fortas, Presley jugó a su amigo (Ríos) una prueba de presión de "Memphis" que Elvis había hecho pero no se libera. Ríos quedó impresionado y muy a pesar de Presley, Los Ríos grabó y lanzó, incluso la copia del acuerdo (Fortas escribe: "Después de eso, Johnny estaba en la lista negra de Elvis", y era persona non grata a partir de entonces). La versión de River vendió más que el gran Chuck Berry original, desde agosto de 1959, que se estancó en el puesto # 87 en los EE.UU.. (1963 versión instrumental Lonnie Mack de "Memphis", anotó el Hit Parade EE.UU. la parte superior cinco en julio, el de Chuck Berry original y su versión británica cubierta rival compitió en la lista de éxitos del Reino Unido en noviembre de 1963).
Rivers hizo una exitosa transición de actor a cantante famoso club nocturno de música popular y ha creado el llamado "Go Go de sonido", que forma parte de un acto que incluyó bailarinas go-go. Durante 1965, Ríos siguió registrando su mayor parte viven, Go-Go registros de estilo como "Maybellene" (otra tapa de Berry), después de que entró "Mountain of Love", "Midnight Special", "Seventh Son" (escrita por Willie Dixon) y "¿Dónde han ido todas las flores?" (Escrito por Pete Seeger), todos los cuales fueron éxitos.
Ríos quería probar algo diferente y adoptó un estilo más peculiar alrededor de 1966. Él produjo tales representaciones exitosas como "Poor Side Of Town", que sería su mayor éxito siempre, y su número de un solo registro de puntuación. Otro éxito fue "Secret Agent Man", el tema de la agente secreto serie de televisión (escrito por PF Sloan y Steve Barri). Él también comenzó su propia compañía discográfica, Soul City Records, donde ganó un premio Grammy como productor de la 5 ª Dimensión, que finalmente registró el "Aquarius / Let the Sunshine In" y "Wedding Bell Blues", dos éxitos número uno-con la empresa de Rivers. Johnny también se acredita con dar compositor Jimmy Webb gran ayuda cuando la 5 ª Dimensión grabado la canción de Webb "Up Up, and Away".
nació el 07 de noviembre 1942 en Nueva York
cantante estadounidense roll, compositor, guitarrista y productor discográfico. Él era lo suficientemente versátil como para hacer canciones folk, blues, y avivamientos de los viejos tiempos del rock 'n' roll canciones y algún material original. Ríos es el más grande éxito llegó en la década de 1960 a mediados y finales con una serie de canciones exitosas, incluyendo "Seventh Son", "Poor Side de la ciudad", "Lluvia de verano", y "Secret Agent Man"), pero no ha dejado de grabar y realizar hasta el presente.
Durante 1960, Ríos se reunió compañeros Luisiana James Burton, el guitarrista de Ricky Nelson. Burton recomienda más adelante una de las canciones de Rivers a Nelson, quien lo grabó. Durante 1961, Ríos se fue a Los Ángeles para conocer a Nelson, y luego se trasladó allí, trabajando como compositor y músico de estudio. Durante 1963, Ríos ha sustituido temporalmente por un grupo de jazz en el club nocturno de Bill Gazzarri, el concierto se convirtió en temporal a largo plazo debido a la respuesta positiva de los clientes.
Durante 1963, Ríos fue elegido por los productores de la serie de televisión británica "Danger Man", protagonizada por Patrick McGoohan, que, a cantar el tema principal de la versión de EE.UU., "Secret Agent". El espectáculo en sí no tuvo éxito, pero fue el tema. Aunque la canción fue un solo versículo (y después el coro se había registrado), Ríos tuvo la idea de añadir dos versos más, a continuación, disco en vivo en el Whiskey A-Go-Go, lo que se convirtió en su primer Top Ten de éxito (1964). "Secret Agent Man", anotó el número 4 en las listas de éxitos, y ayudó a iniciar la carrera de Rivers como cantante rentable.
Durante 1964, Elmer Valentine dio Ríos un contrato de un año para abrir en su nuevo club nocturno Whisky, a Go Go, de Sunset Strip en West Hollywood. El Whisky a Go Go abrió tres días antes de que los Beatles lanzaron "I Wanna Hold Your Hand" y la llamada "invasión británica" reduce las puntuaciones de las historias clínicas de casi todos los artistas musical americano. Sin embargo, Rivers fue tan popular que el productor Lou Adler decidió emitir Johnny Rivers en vivo en el Whiskey A Go Go . El álbum en directo anotado # 12 en las listas y el single "Memphis" alcanzó el Hit Parade de EE.UU. # 2 lugar en julio de 1964. De acuerdo a un amigo de Elvis Presley y el empleado Alan Fortas, Presley jugó a su amigo (Ríos) una prueba de presión de "Memphis" que Elvis había hecho pero no se libera. Ríos quedó impresionado y muy a pesar de Presley, Los Ríos grabó y lanzó, incluso la copia del acuerdo (Fortas escribe: "Después de eso, Johnny estaba en la lista negra de Elvis", y era persona non grata a partir de entonces). La versión de River vendió más que el gran Chuck Berry original, desde agosto de 1959, que se estancó en el puesto # 87 en los EE.UU.. (1963 versión instrumental Lonnie Mack de "Memphis", anotó el Hit Parade EE.UU. la parte superior cinco en julio, el de Chuck Berry original y su versión británica cubierta rival compitió en la lista de éxitos del Reino Unido en noviembre de 1963).
Rivers hizo una exitosa transición de actor a cantante famoso club nocturno de música popular y ha creado el llamado "Go Go de sonido", que forma parte de un acto que incluyó bailarinas go-go. Durante 1965, Ríos siguió registrando su mayor parte viven, Go-Go registros de estilo como "Maybellene" (otra tapa de Berry), después de que entró "Mountain of Love", "Midnight Special", "Seventh Son" (escrita por Willie Dixon) y "¿Dónde han ido todas las flores?" (Escrito por Pete Seeger), todos los cuales fueron éxitos.
Ríos quería probar algo diferente y adoptó un estilo más peculiar alrededor de 1966. Él produjo tales representaciones exitosas como "Poor Side Of Town", que sería su mayor éxito siempre, y su número de un solo registro de puntuación. Otro éxito fue "Secret Agent Man", el tema de la agente secreto serie de televisión (escrito por PF Sloan y Steve Barri). Él también comenzó su propia compañía discográfica, Soul City Records, donde ganó un premio Grammy como productor de la 5 ª Dimensión, que finalmente registró el "Aquarius / Let the Sunshine In" y "Wedding Bell Blues", dos éxitos número uno-con la empresa de Rivers. Johnny también se acredita con dar compositor Jimmy Webb gran ayuda cuando la 5 ª Dimensión grabado la canción de Webb "Up Up, and Away".
Simon & Garfunkel
Paul Simon nació en 1941 en Newark, New Jersey, de una familia de origen judeo-húngara. Art Garfunkel es de la misma quinta, y vió la luz en Queens, donde se había trasladado Simon a muy corta edad. Natural fue que, compartiendo tendencias y aficiones musicales, hicieran buenas migas en el instituto de Forest Hills donde se conocieron. Corría el año 1953, y ambos estudiaban cursos de segunda enseñanza.
Con quince años, decidieron, medio en serio, medio en broma, crear un dúo cantor, a imagen y semejanza de los ya famosos Everly Brothers, el dúo que creó escuela en cuanto a juegos y armonías vocales. Se hicieron llamar Tom y Jerry y, en el invierno de 1957, consiguieron un pequeño éxito con la canción "Hey Schoolgirl". Después, hubo otras grabaciones, pero los estudios les separaron. Garfunkel ingresó en la Universidad, y Paul prefirió concentrarse en su carrera de "song writer" y "folk singer", aunque también realizó cursos de literatura.
En 1964, volvieron a reunirse por una breve temporada para grabar su primer álbum, Wednesday Morning 3 A.M., un disco totalmente acústico muy en la línea del ambiente sonoro imperante en el Greenwich Village neoyorquino, con Bob Dylan al frente. Tuvo una escasa acogida popular, por lo que Art regresó a los estudios, mientras que Paul emigraba a Inglaterra, donde pensaba que había un más amplio y mejor circuito de locales y conciertos para mostrar sus composiciones.
Allí grabó The Paul Simon Songbook, una colección de temas en estado primigenio y desnudo que pocos años después se harían célebres en todo el mundo. Pero, mientras todo esto sucedía, el productor Tom Wilson había realizado una grabación del tema The Sounds Of Silence en clave folk-rock, es decir, con acompañamiento de instrumentos eléctricos (guitarra, bajo), teclados y percusiones, y lo había lanzado al mercado como "single".
La canción fue todo un bombazo y logró sin dificultad el número uno de Billboard y Cash Box, las listas de ventas más fiables de todo el mercado discográfico. Ante tanta demanda, Paul regresó urgentemente a casa y comenzó a trabajar con Arthur en nuevos arreglos de sus anteriores temas. El álbum subsiguiente, lógicamente titulado Sounds Of Silence (1965) corroboró el gigantesco triunfo y acabo por establecer a la pareja como la nueva sensación del "folk rock". El disco ha vendido, a lo largo de la historia, más de cinco millones de copias.
Una sucesión imparable de "hits" llegaron a continuación. I Am A Rock alcanzó el número 3 de los "charts", Homeward Bound, el 5; Scarbourough Fair/Canticle, el 11; At The Zoo, el 16... El siguiente álbum, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme (1966) no hizo sino confirmar las expectativas, y se mantenía fiel a los principios ideológicos y sonoros del dúo : unas voces casi sobrenaturales en su conjunción y en su dulzura, unos temas repletos de magia y poesía, no exentos de crítica social y profundización humanista ("Silent Night/Seven O'clock News" incluía un boletín de noticias sobre la sangrante guerra de Vietnam, así como alusiones a los discursos de Martin Lutero King, mártir de la integración racial).
Bookends (1968) fue otro gran disco, conceptual y austero, con piezas entrañables como Old Friends y, sobre todo, Mrs. Robinson, otro número uno en las listas de "singles". Fue una de las canciones incluidas en la banda sonora de la película El Graduado, de Mike Nichols, cuya partitura también firmó el dúo. La pareja enriquecía ahora su sonido con inclusión de efectos sonoros y cintas pre-grabadas, en la más pura línea de lo que por la época estaban también experimentando los mismísimos Beatles. Canciones como A Hazy Shade Of Winter (número 13 en Billboard) y Fakin' It (número 23) documentan bien esta época.
Con quince años, decidieron, medio en serio, medio en broma, crear un dúo cantor, a imagen y semejanza de los ya famosos Everly Brothers, el dúo que creó escuela en cuanto a juegos y armonías vocales. Se hicieron llamar Tom y Jerry y, en el invierno de 1957, consiguieron un pequeño éxito con la canción "Hey Schoolgirl". Después, hubo otras grabaciones, pero los estudios les separaron. Garfunkel ingresó en la Universidad, y Paul prefirió concentrarse en su carrera de "song writer" y "folk singer", aunque también realizó cursos de literatura.
En 1964, volvieron a reunirse por una breve temporada para grabar su primer álbum, Wednesday Morning 3 A.M., un disco totalmente acústico muy en la línea del ambiente sonoro imperante en el Greenwich Village neoyorquino, con Bob Dylan al frente. Tuvo una escasa acogida popular, por lo que Art regresó a los estudios, mientras que Paul emigraba a Inglaterra, donde pensaba que había un más amplio y mejor circuito de locales y conciertos para mostrar sus composiciones.
Allí grabó The Paul Simon Songbook, una colección de temas en estado primigenio y desnudo que pocos años después se harían célebres en todo el mundo. Pero, mientras todo esto sucedía, el productor Tom Wilson había realizado una grabación del tema The Sounds Of Silence en clave folk-rock, es decir, con acompañamiento de instrumentos eléctricos (guitarra, bajo), teclados y percusiones, y lo había lanzado al mercado como "single".
La canción fue todo un bombazo y logró sin dificultad el número uno de Billboard y Cash Box, las listas de ventas más fiables de todo el mercado discográfico. Ante tanta demanda, Paul regresó urgentemente a casa y comenzó a trabajar con Arthur en nuevos arreglos de sus anteriores temas. El álbum subsiguiente, lógicamente titulado Sounds Of Silence (1965) corroboró el gigantesco triunfo y acabo por establecer a la pareja como la nueva sensación del "folk rock". El disco ha vendido, a lo largo de la historia, más de cinco millones de copias.
Una sucesión imparable de "hits" llegaron a continuación. I Am A Rock alcanzó el número 3 de los "charts", Homeward Bound, el 5; Scarbourough Fair/Canticle, el 11; At The Zoo, el 16... El siguiente álbum, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme (1966) no hizo sino confirmar las expectativas, y se mantenía fiel a los principios ideológicos y sonoros del dúo : unas voces casi sobrenaturales en su conjunción y en su dulzura, unos temas repletos de magia y poesía, no exentos de crítica social y profundización humanista ("Silent Night/Seven O'clock News" incluía un boletín de noticias sobre la sangrante guerra de Vietnam, así como alusiones a los discursos de Martin Lutero King, mártir de la integración racial).
Bookends (1968) fue otro gran disco, conceptual y austero, con piezas entrañables como Old Friends y, sobre todo, Mrs. Robinson, otro número uno en las listas de "singles". Fue una de las canciones incluidas en la banda sonora de la película El Graduado, de Mike Nichols, cuya partitura también firmó el dúo. La pareja enriquecía ahora su sonido con inclusión de efectos sonoros y cintas pre-grabadas, en la más pura línea de lo que por la época estaban también experimentando los mismísimos Beatles. Canciones como A Hazy Shade Of Winter (número 13 en Billboard) y Fakin' It (número 23) documentan bien esta época.
Dave Maclean
Hijo de españoles, José Carlos González conocido como Dave Maclean nació en 1944 en Sao Paulo (Brasil). Antes de empezar su carrera en solitario, entró a formar parte como guitarrista y cantante en el 65 del grupo brasileño The Snakes, que más tarde derivaría en Os Botoes (1967), para finalmente en 1969 quedarse con el nombre final...The Buttons. Con ellos grabó algunos sencillos y un larga duración, haciendo versiones de los Beatles y otros grandes grupos del momento. Desligado ya de la banda a principios de los setenta, comienza ahora su etapa como magistral baladista romántico, siendo de los primeros artistas brasileños en grabar en inglés. Su primer gran éxito le llegaría en el 73 con el hit "Me and you" (tema de la telenovela Os ossos do Barao), más tarde vendrían temas como "Tears" (Lágrimas en mi rostro), el cover "Solitaire" o "Chance of love" (Mi amor te seguirá),etc... todos ellos del 74. Es en ese mismo año cuando Dave conseguiría el que sería todo un número uno, canción por la cual ganó varios discos de oro en su país y fuera de él "We said goodbye" (Nos dijimos adiós). Para 1980, decide dar un rumbo a su carrera y funda el grupo Dollar and Company, cambiando el estilo musical que había llevado hasta ese momento por otro de aires country rock americano, versionando en sus primeros discos temas de los Beatles, juntos estuvieron por más de quince años. A mediados de los noventa y ya establecido en los EE.UU., de nuevo decide formar una nueva banda, los Country Montana, que seguía la estela del anterior, aunque aprovechando la corriente de modernización que la música country vivía esos años. En la actualidad, aparte de la composición para otros artistas, sigue haciendo presentaciones y cantando sus viejos éxitos y lo mejor de otros contemporáneos suyos.
Sabu
Hector Jorge Raíz conocido como sabu. Nació el 12 de septiembre de 1953 en el barrio de Monserrat, Buenos Aires, Argentina, y murió en México a la edad de 52 años a causa de un cáncer de pulmón.
El seudónimo lo sacó del personaje de la película 'El Ladrón de Bagdad'.
Comenzó su carrera como cantante a los 17 años. Antes había trabajado como modelo con el nombre de Giorgio, actividad que abandonó cuando fue contratado para grabar su primer disco. Con el tema "Toda mía la ciudad" alcanzó un rápido suceso y vendió 50 mil discos.
El tema "Vuelvo a vivir, vuelvo a cantar" dio nombre a su primera película y lo lanzó al mercado internacional comenzando sus giras por Chile, Uruguay, Perú y Puerto Rico, donde fue premiado con el "disco de oro" por la venta millonaria de sus discos.
Una segunda película, "El mundo que inventamos" y la grabación de numerosos LP, lo transformaron en el ídolo de la juventud latinoamericana que se expresó a través de numerosos clubes de admiradores. Su camino de éxitos se vio súbitamente alterado en septiembre del 73, por un suceso policial que lo sindicó como cómplice de una banda de secuestradores.
En los años siguientes mermaron notablemente sus posibilidades de trabajo pero retomó su itinerario de giras por Estados Unidos, Puerto Rico y México.
En marzo del 78 las páginas policiales volvieron a reflejar su nombre al ser detenido por tenencia de estupefacientes, delito por el cual la cámara penal lo condenó a un año de prisión en suspenso y al pago de una multa. En los últimos años su agitada vida pareció encontrar cauces más serenos en tierras aztecas, donde vivió acompañado de su esposa, proyectando además su fama a Colombia donde la noticia de su muerte produjo honda consternación.
El seudónimo lo sacó del personaje de la película 'El Ladrón de Bagdad'.
Comenzó su carrera como cantante a los 17 años. Antes había trabajado como modelo con el nombre de Giorgio, actividad que abandonó cuando fue contratado para grabar su primer disco. Con el tema "Toda mía la ciudad" alcanzó un rápido suceso y vendió 50 mil discos.
El tema "Vuelvo a vivir, vuelvo a cantar" dio nombre a su primera película y lo lanzó al mercado internacional comenzando sus giras por Chile, Uruguay, Perú y Puerto Rico, donde fue premiado con el "disco de oro" por la venta millonaria de sus discos.
Una segunda película, "El mundo que inventamos" y la grabación de numerosos LP, lo transformaron en el ídolo de la juventud latinoamericana que se expresó a través de numerosos clubes de admiradores. Su camino de éxitos se vio súbitamente alterado en septiembre del 73, por un suceso policial que lo sindicó como cómplice de una banda de secuestradores.
En los años siguientes mermaron notablemente sus posibilidades de trabajo pero retomó su itinerario de giras por Estados Unidos, Puerto Rico y México.
En marzo del 78 las páginas policiales volvieron a reflejar su nombre al ser detenido por tenencia de estupefacientes, delito por el cual la cámara penal lo condenó a un año de prisión en suspenso y al pago de una multa. En los últimos años su agitada vida pareció encontrar cauces más serenos en tierras aztecas, donde vivió acompañado de su esposa, proyectando además su fama a Colombia donde la noticia de su muerte produjo honda consternación.
Vinicius y Toquinho
Toquinho y Vinicius fue el aliento refrescante de la creatividad incursionando muchas formas distintas de expresión musical, que fueron los precursores de los circuitos y la Universidad de las bandas sonoras de series de televisión. También en 1971, había presentado durante un mes en el Teatro Maria Della Costa, junto con la Medalla de Marilia Mocotó y el Trío en el espectáculo "Encuentro". En diciembre, con esta muestra, inaugurada el Paiol Teatro de Curitiba, por invitación del entonces alcalde elegido por primera vez, Jaime Lerner, quien comenzó su plan de transformación de esa ciudad. Este espectáculo marcó el camino de una secuencia de presentaciones a los estudiantes de casi todos los países que abarcó de 1972. Fue la primera Universidad de Circuito que estaban pasando por las capitales y ciudades de los estados, impresionado con el nivel cultural y el interés de los jóvenes por la música brasileña. Para Metallica, se le dio como otra escuela de la existencia humana. Ejercer el placer de tocar y cantar, tanto en teatros modernos y bien montados, y en el improvisado escenario de luz y sonido incipiente, precario. En 1972, crearon la banda sonora de la novela "Nuestra hija Gabriela," Tupi TV, Canal 4. , que fue grabado en un LP lanzado por Polydor: "Canta Vinicius 'Nuestra hija Gabriela' - Música de Vinicius de Moraes y Toquinho." Hasta el momento, ninguna novela ha recibido el tratamiento de este musical especial, como se hace en las películas. Parece que los productores han dado cuenta de esto y, en 1973, Toquinho y Vinicius fueron ordenados por el Globo musicarem a uno que se estructuraría en una de las mejores novelas de la televisión brasileña: "El Amado". ¿Quién puede olvidar el gran Gracindo Pablo incorporación al alcalde de "Sucupira", "Odorico Paraguaçu", y su astucia inescrupulosa y corrupta? Corroborado por el disfraz de señores de la guerra "Devil Zeca" en la persona de Lima Duarte, y la presentación de ingenuo "Mariposa Dirceu", brillantemente creado por Emiliano Queiroz. Es difícil de borrar de la memoria las imágenes sucesivas de la opresión, el amor, el odio y el humor que enriquece el diario "Sucupira" y su cementerio esperando siempre que el primer cadáver, el cual, irónicamente, resultó ser el propio alcalde quien "Odorico," lo fantástico historia de Dias Gomes. Increíble cómo todo esta web ficticia inmersión realismo puede ser equipado con la equidad como por Toquinho y Vinicius de música que abría la novela. Cada noche, alrededor de las 22:00 horas, había una casa de este país, donde al menos una persona no ajeitasse en algún sillón en frente de esa vocación musical. Completado el LP "El Amado", producido en 1973 por Som Livre, la canciones de "barril de pólvora", "La vida cotidiana n º 2", "Me gustaría que mi padre", "En el regazo de la montaña", cantada por Toquinho y Vinicius "Un poco más de consideración," sólo por Toquinho, "se sentó pandilla de Ipanema" y "Si usted quiere devolver el amor", la voz de María Creuza, "Nos vemos", con Toquinho y María Creuza y "¿Quién eres tú?" con Nora Ney. Estas canciones traspasaron los aparatos de TV y el disco alcanzó los primeros lugares en las listas de popularidad y ventas. En 1974, crearon la banda sonora de la novela "Fuego en la Tierra", la TV Globo, también grabado en directo por Som Livre. En el escenario, Toquinho y Vinicius se acostumbraron a la ayuda de la voz y la figura femenina. Así fue que al llevar a cabo la Universidad de Circuito en 1973 con el espectáculo "Poeta, la muchacha y la guitarra", optó por Clara Nunes, de la minería inolvidable Paraupeba, a continuación, de pelo rojo, vestido con un largo de encaje blanco y se gira, que lleva en la escena Candomblé llamada la "Diosa de las Cataratas". Para ella, Vinicius era "un genio", y Metallica, "sensacional". Los tres aseguraron el éxito de la serie que debutó en el Teatro Castro Alves, en Salvador, y llegó hasta Recife, Curitiba, Porto Alegre. Permaneció diez días en el CSA en Sao Paulo, y siguió su curso para la etapa de Río de Janeiro,
Claude Ciari
Ciari nació en Niza en la Riviera francesa en 1944. Empezó a tocar la guitarra cuando tenía 11 años, y por 16 años era el dominio suficiente para unirse a un grupo de rock, Les Campeones, con el mismo en la guitarra, junto con Jean-Claude Chane (cantante), Alain Santamaría (guitarra), Daniel Kaufman (bajo), y Willy Lewis (batería). Les Campeones, con un sonido más cercano a los Jordanaires que los grupos instrumentales más populares de la época, grabó varios singles, e incluso una gira por Francia con Gene Vincent en octubre de 1962. Les Champions no eran muy originales, y Ciari se frustró cuando la banda decidió convertirse en la banda de apoyo para el cantante francés Danyel Gerard.
Ciari dejó el grupo en 1964, y comenzó su carrera como solista. Solo el éxito fue inmediato - su primer disco incluyó una rumba instrumental, "La Playa", que puso de moda en el fervor de la bossa nova de la época y se convirtió en un gran éxito en Francia y en otros 40 países. A los 20 años de edad, Ciari había vendido varios millones de discos, y comenzó una carrera prolífica y aclamada. Siete La primera Batacuda de LP, grabado en 1970, fue su primera dedicada a la exploración de la música latina, y le ganó muchos seguidores más devotos en América Latina. Grabando muchos discos y singles de gráficos.
Ciari dejó el grupo en 1964, y comenzó su carrera como solista. Solo el éxito fue inmediato - su primer disco incluyó una rumba instrumental, "La Playa", que puso de moda en el fervor de la bossa nova de la época y se convirtió en un gran éxito en Francia y en otros 40 países. A los 20 años de edad, Ciari había vendido varios millones de discos, y comenzó una carrera prolífica y aclamada. Siete La primera Batacuda de LP, grabado en 1970, fue su primera dedicada a la exploración de la música latina, y le ganó muchos seguidores más devotos en América Latina. Grabando muchos discos y singles de gráficos.
Jean Claude Borelly
Jean-Claude nació en París ciudad capital de la Francia el 2 de julio de 1953. Desde temprana edad (7 años) descubrió su pasión por la trompeta al ver en televisión al genial astro norteamericano Louis Armstrong. Conoció a un trompetista de L'Opera de París quien lo inició en el instrumento y quien le acompañó durante todo el tiempo que ejerció sus estudios en el Conservatorio y en la Escuela Normal de Músicos. Hacia 1972 se convirtió en todo un músico profesional y se desempeñó en diversas revistas musicales y cabarets parisinos. En 1975, conoció al destacado compositor Paul de Senneville y a su tema Dolannes Melody (extraída de la banda sonora del filme : Un linceul n'a pas de poches -Un sudario no tiene bolsillos-) el cual, en su versión, fue un éxito contundente para el astro galo y que logró la posición número 1 en las listas del Hit Parade durante 4 meses en diversos países de Europa (Francia, Suiza, Bélgica, Alemania, Austria y Los Países Bajos) con ni mas ni menos que 5 millones de álbumes vendidos en todo el mundo. Para 1976, logró su segundo mayor éxito internacional al interpretar Concerto de la Mer -Concierto del Mar- con el cual inició una gran gira en Francia con la radio Europe 1.
De 1977 a 1984 , se enroló en giras artísticas por el mundo (Alemania, Sudamérica, México, Japón etc..). de 1985 a 1986 animó junto con su gran orquesta la emisión Cadence 3 transmitida por FR3. Durante los años 90 recibió dos nuevos discos de oro con la compilación de sus más grandes éxitos. Su espectáculo: Trompette de feu(Trompeta de fuego) fue llevado al menos a 60 ciudades de la Francia en dicho espectáculo se hace una asociación entre la pirotecnia y el láser con la música. Warner leroy (filial de la Warner Company le propuso la animación de grandes veladas en Tavern on the green ubicado en Central Park ciudad de Nueva York y en numerosas ciudades norteamericanas (Dallas, Boston, Miami, Santa Monica, Memphis, San Diego, Sacramento... etc.) En 1995 se instaló en Las Vegas para dar conciertos e impregnarse de la sonoridad y de las técnicas musicales de los grandes hombres espectáculo.
De 1977 a 1984 , se enroló en giras artísticas por el mundo (Alemania, Sudamérica, México, Japón etc..). de 1985 a 1986 animó junto con su gran orquesta la emisión Cadence 3 transmitida por FR3. Durante los años 90 recibió dos nuevos discos de oro con la compilación de sus más grandes éxitos. Su espectáculo: Trompette de feu(Trompeta de fuego) fue llevado al menos a 60 ciudades de la Francia en dicho espectáculo se hace una asociación entre la pirotecnia y el láser con la música. Warner leroy (filial de la Warner Company le propuso la animación de grandes veladas en Tavern on the green ubicado en Central Park ciudad de Nueva York y en numerosas ciudades norteamericanas (Dallas, Boston, Miami, Santa Monica, Memphis, San Diego, Sacramento... etc.) En 1995 se instaló en Las Vegas para dar conciertos e impregnarse de la sonoridad y de las técnicas musicales de los grandes hombres espectáculo.
Acover band,Orquesta & Coro
Un Beso y una flor, temas del repertorio de Nino Bravo
Por la Acover band,Orquesta & Coro:
Un beso y una flor
(P. Herrero - J.L Armenteros)
LP: Recordando a Nino Bravo (1974)
Sonido: Luis Fernandez Soria
Director Musical: Eddy Guerin
Del Repertorio Gramusic
Lic. Warnes Music
interpretaciones de grandes artistas musicales en la década dorada
de nuestro pasado cercano.
Por la Acover band,Orquesta & Coro:
Un beso y una flor
(P. Herrero - J.L Armenteros)
LP: Recordando a Nino Bravo (1974)
Sonido: Luis Fernandez Soria
Director Musical: Eddy Guerin
Del Repertorio Gramusic
Lic. Warnes Music
interpretaciones de grandes artistas musicales en la década dorada
de nuestro pasado cercano.
Morris Albert
Morris Albert (nacido en Mauricio Alberto Kaisermann , 7 de septiembre de 1951, Sao Paulo , SP , Brasil ) es una brasileña cantante y compositor , famoso por su obra de 1975 golpeó solo " Sentimientos
Albert comenzó su carrera cantando y tocando la guitarra por un número de bandas .En 1973, en momentos en que muchos brasileños artistas estaban usando inglesado nombres en un intento de entrar en la EE.UU. de mercado, lanzó su primer álbum , que contó con "Sentimientos", el yo-escribió la canción que finalmente le traerá éxito en todo el mundo.
El lanzamiento internacional de "Feelings" vendió más de un millón de copias en los Estados Unidos solamente, y alcanzó el número 6 en el Billboard Hot 100 gráfico en 1975, y # 2 en Billboard 's Adulto Contemporáneo gráfico.Se le otorgó un disco de oro por la RIAA el 13 de noviembre de 1975. "Feelings" fue nominado para un premio Grammy por Canción del Año en 1976, perdiendo frente a Judy Collins "," Send in the Clowns ".En el mismo año Albert fue nominado para un Premio Grammy por Mejor Nuevo Artista , pero perdió frente a Natalie Cole .
"Sentimientos" también fue grabada e interpretada por muchos otros artistas , tales como Ella Fitzgerald , Nina Simone , Bobby Vinton , Frank Sinatra , José José , Elvis Presley , Sarah Vaughan , Johnny Mathis , Ray Conniff y The Offspring .Albert canción "Falling Tears" se muestra por el rapero Shyne en la pista "," Diamantes y Mac 10 "en la 2004 del álbum de Shyne, padrino enterrado vivo.
Albert comenzó su carrera cantando y tocando la guitarra por un número de bandas .En 1973, en momentos en que muchos brasileños artistas estaban usando inglesado nombres en un intento de entrar en la EE.UU. de mercado, lanzó su primer álbum , que contó con "Sentimientos", el yo-escribió la canción que finalmente le traerá éxito en todo el mundo.
El lanzamiento internacional de "Feelings" vendió más de un millón de copias en los Estados Unidos solamente, y alcanzó el número 6 en el Billboard Hot 100 gráfico en 1975, y # 2 en Billboard 's Adulto Contemporáneo gráfico.Se le otorgó un disco de oro por la RIAA el 13 de noviembre de 1975. "Feelings" fue nominado para un premio Grammy por Canción del Año en 1976, perdiendo frente a Judy Collins "," Send in the Clowns ".En el mismo año Albert fue nominado para un Premio Grammy por Mejor Nuevo Artista , pero perdió frente a Natalie Cole .
"Sentimientos" también fue grabada e interpretada por muchos otros artistas , tales como Ella Fitzgerald , Nina Simone , Bobby Vinton , Frank Sinatra , José José , Elvis Presley , Sarah Vaughan , Johnny Mathis , Ray Conniff y The Offspring .Albert canción "Falling Tears" se muestra por el rapero Shyne en la pista "," Diamantes y Mac 10 "en la 2004 del álbum de Shyne, padrino enterrado vivo.
Industria Nacional
Industria Nacional nació el 21 de septiembre de 1969 con una canción que hoy sigue teniendo difusión en toda América Latina: Un día de paseo en Santa Fé.
El grupo fue uno de los precursores del beat melódico argentino. Sus canciones nunca dejaron de cantarse y siempre fueron adaptándose a los tiempos que venían.
Hoy en día, habiendo transcurrido más de 42 años desde el nacimiento del grupo, su repertorio se escucha permanentemente en varios países del mundo, y continuamente sus canciones son incluídas en nuevos compilados que se producen.
Integrantes:
Rafael Iglesias,
Raúl Abramzon,
Fernando Brom,
Eduardo García Caffi
El grupo fue uno de los precursores del beat melódico argentino. Sus canciones nunca dejaron de cantarse y siempre fueron adaptándose a los tiempos que venían.
Hoy en día, habiendo transcurrido más de 42 años desde el nacimiento del grupo, su repertorio se escucha permanentemente en varios países del mundo, y continuamente sus canciones son incluídas en nuevos compilados que se producen.
Integrantes:
Rafael Iglesias,
Raúl Abramzon,
Fernando Brom,
Eduardo García Caffi
Contra todas las tendencias "fashion" y los cambios musicales, Industria Nacional siempre conservó su estilo musical y su presencia en el escenario. Sus integrantes siempre se presentaron en sus show con saco y corbata- ya que consideraban que la corbata es el pasaporte que abre las puertas del mundo...y no se equivocaron. En 1970 se grabó Hurra para la banda de Industria Nacional un Long Play histórico con arreglos del "Chango" Farías Gomez. Luego vinieron éxitos importantes como Guatemala que chica tan mala, Esa chica que me sabe amar. Finalmente el "superhit": La tarde que te amé. Este tema arrasó con todos los rankings latinoamericanos (1972) y le permitió al grupo realizar giras por América. Después vinieron otros discos importantes como Noche a noche día a día, Por tí una vez más, La dueña de mi corazón y otros temas que asentaron el "estilo Industria" que además gustó en todas las clases sociales. En 1975 otro exitazo: se hizo una remake "onda disco" de La luna y el toro el clásico español. Siguiendo las secuelas de ese tema, inmediatamente después se grabó El relicario.
Dyango
José Gómez Romero mas conocido como Dyango nació el 5 de marzo de 1940,
Se formó musicalmente en el Conservatorio de Música de Barcelona y junto a sus compañeros de estudios recorrió Europa durante dos años interpretando diversos tipos de música.
A pesar de que Dyango es un excelente interprete de violín y de trompeta, tras su primera experiencia musical decidió continuar explotando su magnifica voz cantando como solista, así, adoptó de Django Reindhart -el guitarrista de jazz gitano- el nombre artístico por el cuál le conocemos y debutó en el Festival de la Canción del Duero (1965).Lejos de los ojos
destacado como el segundo premio en el festival de san remo (1969)
Después de un breve paso por Zafiro, en 1974, Dyango firmó contrato discográfico con el grupo EMI.
Su primer álbum, grabado en 1975, tuvo gran éxito en Latinoamérica, en contraste con la escasa repercusión de su música en España, donde no obstante, su trabajo recibió una excelente acogida por parte de la crítica especializada.
A partir de la grabación del viejo tango 'Nostalgia', en 1976, Dyango comenzó su conquista del mercado español. Tras obtener en el mismo año el premio al mejor intérprete y a la mejor canción del Festival de Benidorm con el tema, 'Si yo fuera él', su carrera resultaría imparable tanto a nivel nacional como internacional.
Desde entonces, el repertorio de Dyango ha incluido los mejores boleros, tangos y rancheras, las viejas canciones de los guateques de los sesenta, decenas de éxitos propios y hasta piezas líricas. A lo largo de su carrera ha grabado dúos con artistas tan destacados como Celia Cruz, Oscar D'León, Sheena Easton, Roberto Goyeneche, Pimpinela y el tenor Jaume Aragall.
Dyango ha obtenido a lo largo de su carrera 55 discos de oro y 40 de platino, que le han sido concedidos tanto en España como en diversos países latinoamericanos e incluso en Estados Unidos. De entre todos ellos, cabe citar el doble disco de platino conseguido por el álbum 'A corazón Abierto'.
De entre su discografía destaca el álbum, 'Morir de Amor', que incluía el tema 'Espérame en el cielo' de Los Panchos, interpretado a dúo con Nana Mouskouri, y la canción 'Por ese Hombre' junto a Pimpinela. También caben destacar los discos 'Quan l´amor és tan gran', grabado en catalán y en el que se incluye un dúo con Jaume Aragall, y 'Serenatas', que incluye rancheras y otros estilos musicales.
El penúltimo disco de Dyango, 'Vuela Conmigo' fue producido por el propio artista y grabado en Barcelona, Paris y Los Ángeles. El tema que da título al álbum fue elegido por la compañía Air Europa para su nueva campaña publicitaria.
'Himnos al amor' el anterior álbum de Dyango. Un disco concepto que incluía diez temas de siempre. Enormes canciones de amor que nos han acompañado a lo largo del tiempo, como 'Venecia sin ti', 'Dios cómo te amo', 'En Aranjuez con tu amor'. El álbum se grabó íntegramente en Miami en los mejores estudios: Castle Studios, The Gallery, Criteria.
Toda la producción, arreglos y dirección musical del proyecto fue realizada por Bebu Silvetti, sin duda uno de los grandes 'magos' de la música en estos momentos, artífice y responsable de discos de ventas millonarios de los mejores artistas españoles y latinos
Se formó musicalmente en el Conservatorio de Música de Barcelona y junto a sus compañeros de estudios recorrió Europa durante dos años interpretando diversos tipos de música.
A pesar de que Dyango es un excelente interprete de violín y de trompeta, tras su primera experiencia musical decidió continuar explotando su magnifica voz cantando como solista, así, adoptó de Django Reindhart -el guitarrista de jazz gitano- el nombre artístico por el cuál le conocemos y debutó en el Festival de la Canción del Duero (1965).Lejos de los ojos
destacado como el segundo premio en el festival de san remo (1969)
Después de un breve paso por Zafiro, en 1974, Dyango firmó contrato discográfico con el grupo EMI.
Su primer álbum, grabado en 1975, tuvo gran éxito en Latinoamérica, en contraste con la escasa repercusión de su música en España, donde no obstante, su trabajo recibió una excelente acogida por parte de la crítica especializada.
A partir de la grabación del viejo tango 'Nostalgia', en 1976, Dyango comenzó su conquista del mercado español. Tras obtener en el mismo año el premio al mejor intérprete y a la mejor canción del Festival de Benidorm con el tema, 'Si yo fuera él', su carrera resultaría imparable tanto a nivel nacional como internacional.
Desde entonces, el repertorio de Dyango ha incluido los mejores boleros, tangos y rancheras, las viejas canciones de los guateques de los sesenta, decenas de éxitos propios y hasta piezas líricas. A lo largo de su carrera ha grabado dúos con artistas tan destacados como Celia Cruz, Oscar D'León, Sheena Easton, Roberto Goyeneche, Pimpinela y el tenor Jaume Aragall.
Dyango ha obtenido a lo largo de su carrera 55 discos de oro y 40 de platino, que le han sido concedidos tanto en España como en diversos países latinoamericanos e incluso en Estados Unidos. De entre todos ellos, cabe citar el doble disco de platino conseguido por el álbum 'A corazón Abierto'.
De entre su discografía destaca el álbum, 'Morir de Amor', que incluía el tema 'Espérame en el cielo' de Los Panchos, interpretado a dúo con Nana Mouskouri, y la canción 'Por ese Hombre' junto a Pimpinela. También caben destacar los discos 'Quan l´amor és tan gran', grabado en catalán y en el que se incluye un dúo con Jaume Aragall, y 'Serenatas', que incluye rancheras y otros estilos musicales.
El penúltimo disco de Dyango, 'Vuela Conmigo' fue producido por el propio artista y grabado en Barcelona, Paris y Los Ángeles. El tema que da título al álbum fue elegido por la compañía Air Europa para su nueva campaña publicitaria.
'Himnos al amor' el anterior álbum de Dyango. Un disco concepto que incluía diez temas de siempre. Enormes canciones de amor que nos han acompañado a lo largo del tiempo, como 'Venecia sin ti', 'Dios cómo te amo', 'En Aranjuez con tu amor'. El álbum se grabó íntegramente en Miami en los mejores estudios: Castle Studios, The Gallery, Criteria.
Toda la producción, arreglos y dirección musical del proyecto fue realizada por Bebu Silvetti, sin duda uno de los grandes 'magos' de la música en estos momentos, artífice y responsable de discos de ventas millonarios de los mejores artistas españoles y latinos
Gigliola Cinquetti
Gigliola Cinquetti nació en Verona (Italia) el 20 de diciembre de 1947.
Ha ganado Eurovisión en 1964 y estuvo a punto de conseguirlo por segunda vez en 1974. Es una de las cantantes italianas con más renombre internacional. Ha tocado todos los terrenos posibles del artisteo y está considerada por los seguidores de
Eurovisión como una de las mejores intérpretes de la historia de este Certamen.
Gigliola y Rosabianca, su hermana Nació el mismo año que Massiel, France Gall y Michélle Torr, grandes eurovisivas también.
Su padre se llamaba Luigi y su madre Sara, que según la misma Gigliola "era especialista en hacer tortitas de miel". Tiene una hermana veinte meses mayor que ella, Rosabianca, Robbie en el ambiente familiar.
La primera experiencia artística de Gigliola fue con cinco años de edad. Hizo una función teatral. Recibió clases de piano
junto a hermana y ya se perfilaba según sus profesores como una chica con mucho sentido musical. Pero su debut como cantante fue en teatro Ristori de Verona en 1959 junto a un elenco de artistas de variedades. Según ella "el corazón le latía fuertemente al pisar un escenario como cantante por primera vez, aunque su voz se mantenía firme".
En 1963 se presentó a un concurso de radio en Venecia y de ella dijo el prestigioso barítono Gino Becchi "que su voz era auténtica porque no estaba impostada o forzada y cantaba como si hablase". Este halagó mucho a Gigliola y creo que la descripción es muy acertada porque su estilo es muy peculiar. Voz que enamoró a los italianos desde el principio y al mundo después. Subió muy alto en cuestión de poco tiempo, dejando absortos a figuras de la talla de Iva Zanicchi, Bobby Solo, Paul Anka, La Mistinguette, Maurice Chevalier o Mina, que siempre alabaron a la intérprete y la defendieron en sus inicios.
En agosto de 1963 la RAI la invita a Milán a presentarse a una prueba para la cadena televisiva. Así se presentó en un concurso de voces nuevas y gracias al empresario Gianni Ravera fue a Sanremo. Pasó muchas pruebas y eliminatorias con más de 128 candidatos, estuvo entre los diez escogidos. Acudió al prestigioso Festival italiano de San Remo el 30 de enero de 1964 con "Non ho l'étà" de Mario Panzeri y Nicola Salerno con arreglos de Gianfranco Monaldi. Este tema lo debían interpretar dos personas, ella y Patricia Carli. Pero el triunfo fue para Gigliola Cinquetti que dejó boquiabierto al público por su sencillez y espléndida voz. Fue un año polémico por la presencia de Bobby Solo que fue descalificado con "Una
lacrima sul viso" debido a una fuerte faringitis que le obligó a cantar en plaback, algo que no se perdonaba en aquellos años. No fue falta de honestidad del cantante, sino imposiciones de la casa discográfica y sus empresarios.
Tras San Remo, como embarcada en el éxito y siguiendo la tónica de Italia esos años, Gigliola fue a Eurovisión en su novena edición que se celebraba en la ciudad danesa de Copenhague, en el Tivoli Concert Hall. Una chica que apenas
había salido de su país, sólo había estado en Francia en un
show con Maurice Chevalier, se vio en pleno Festival para
todo Europa. Y además ganó también con una diferencia
abrumadora sobre competidores de la talla de Matt Monro o
Romuald. Ella solita, con 16 años se trajo el primer triunfo
para Italia, que lo venía buscando desde la primera edición
en 1956 y casi ganan en 1963 con Emilio Pericolli que fue
tercero en Londres.
Ha ganado Eurovisión en 1964 y estuvo a punto de conseguirlo por segunda vez en 1974. Es una de las cantantes italianas con más renombre internacional. Ha tocado todos los terrenos posibles del artisteo y está considerada por los seguidores de
Eurovisión como una de las mejores intérpretes de la historia de este Certamen.
Gigliola y Rosabianca, su hermana Nació el mismo año que Massiel, France Gall y Michélle Torr, grandes eurovisivas también.
Su padre se llamaba Luigi y su madre Sara, que según la misma Gigliola "era especialista en hacer tortitas de miel". Tiene una hermana veinte meses mayor que ella, Rosabianca, Robbie en el ambiente familiar.
La primera experiencia artística de Gigliola fue con cinco años de edad. Hizo una función teatral. Recibió clases de piano
junto a hermana y ya se perfilaba según sus profesores como una chica con mucho sentido musical. Pero su debut como cantante fue en teatro Ristori de Verona en 1959 junto a un elenco de artistas de variedades. Según ella "el corazón le latía fuertemente al pisar un escenario como cantante por primera vez, aunque su voz se mantenía firme".
En 1963 se presentó a un concurso de radio en Venecia y de ella dijo el prestigioso barítono Gino Becchi "que su voz era auténtica porque no estaba impostada o forzada y cantaba como si hablase". Este halagó mucho a Gigliola y creo que la descripción es muy acertada porque su estilo es muy peculiar. Voz que enamoró a los italianos desde el principio y al mundo después. Subió muy alto en cuestión de poco tiempo, dejando absortos a figuras de la talla de Iva Zanicchi, Bobby Solo, Paul Anka, La Mistinguette, Maurice Chevalier o Mina, que siempre alabaron a la intérprete y la defendieron en sus inicios.
En agosto de 1963 la RAI la invita a Milán a presentarse a una prueba para la cadena televisiva. Así se presentó en un concurso de voces nuevas y gracias al empresario Gianni Ravera fue a Sanremo. Pasó muchas pruebas y eliminatorias con más de 128 candidatos, estuvo entre los diez escogidos. Acudió al prestigioso Festival italiano de San Remo el 30 de enero de 1964 con "Non ho l'étà" de Mario Panzeri y Nicola Salerno con arreglos de Gianfranco Monaldi. Este tema lo debían interpretar dos personas, ella y Patricia Carli. Pero el triunfo fue para Gigliola Cinquetti que dejó boquiabierto al público por su sencillez y espléndida voz. Fue un año polémico por la presencia de Bobby Solo que fue descalificado con "Una
lacrima sul viso" debido a una fuerte faringitis que le obligó a cantar en plaback, algo que no se perdonaba en aquellos años. No fue falta de honestidad del cantante, sino imposiciones de la casa discográfica y sus empresarios.
Tras San Remo, como embarcada en el éxito y siguiendo la tónica de Italia esos años, Gigliola fue a Eurovisión en su novena edición que se celebraba en la ciudad danesa de Copenhague, en el Tivoli Concert Hall. Una chica que apenas
había salido de su país, sólo había estado en Francia en un
show con Maurice Chevalier, se vio en pleno Festival para
todo Europa. Y además ganó también con una diferencia
abrumadora sobre competidores de la talla de Matt Monro o
Romuald. Ella solita, con 16 años se trajo el primer triunfo
para Italia, que lo venía buscando desde la primera edición
en 1956 y casi ganan en 1963 con Emilio Pericolli que fue
tercero en Londres.
Gabriella ferri
María Gabriella Ferri mas conocida como gabriella ferri nacio en Roma el 18 de septiembre 1942 en el barrio romano de Testaccio , es la hija de Víctor, un vendedor ambulante de dulces, un admirador de la canción en dialecto romano, pronto deja de estudiar a causa de un accidente.Gabriella tiene la ambición de convertirse en una modelo, y para hacer este oficio realiza muchos puestos de trabajo como el trabajo y el compromiso.Se encuentra con Luisa De Santis (hija del director Giuseppe , famoso por Arroz amargo ) y se convirtió en un amigo íntimo: juntos crearon un dúo, con el nombre de Louise y Gabriella , que trata de redescubrir el repertorio popular romana.
Así comienza las primeras actuaciones, basadas en el repertorio tradicional de la canción romana (como Barcarolo romana ) y el canto en los bares (como una sociedad de grandes comedores ), y una noche, en ' Club de Intra de Milán (en ese período son recibidos por Camilla Cederna ), fueron advertidos por Walter Guertler , lo que les sitúa bajo contrato y publicar sus primeras 45 vueltas con el Jolly , una nueva versión de la canción popular La sociedad de los grandes comedores .También en 1963 tienen la primera experiencia en televisión, en la transmisión de los sueños La feria presentado por Mike Bongiorno , en el que canto la sociedad de los comedores grandes , que en los días siguientes a la aparición en la televisión, la venta de un millón setecientos mil ejemplares [ la citación necesitó ] , convirtiéndose en uno de los himnos de la juventud de aquellos años .En 1965, estrenó en los cines italianos y extranjeros, y tal vez su primer contenido de video de música en la película Ritmo 008 Operación del director, productor Tullio Piacentini.El Joker continuación, entrar en el mercado un nuevo single en esta ocasión de los artistas que dibujan la gente siciliana tallar su propia versión de sciuri sciuri y Crozza Vitti 'na : El segundo single fue un gran éxito y los artistas afectados tercero consta de 45 vueltas Pobre Cecilia , una canción tradicional a menudo cantadas por los juglares y el lado B de Es todas mis cosas , tomado de la serie El galimatías con música de Ennio Morricone . El dúo, sin embargo, es de corta duración, debido a la timidez que Luisa le encanta cantar en público, Gabriella continúa en solitario, grabando un álbum en 1966, el mismo año en Canadá para una gira de un teatro de la música popular dirigida por Aldo del Triunfo , junto con otros representantes de la popular italiana como Caterina Bueno , Profazio Otello y el actor Lino Toffolo .Después de sus años en Milán, regresó a Roma a finales de 1966, y aterrizó en Bagaglino de Roma , donde se convirtió en el cantante oficial, aquí sabe Pintucci Piero , quien se convertirá en un colaborador musical habitual, y registró un 45 en 1968 la ARC , se ha reducido por la noche , que en Italia tiene un gran éxito comercial.El lado B de este single, Te doy mis ojos , llegó a la cima de las listas en América del Sur y Gabriella afectan en español con el título de Te regalo Ojos erróneas que venden varios millones de copias [ cita requerida ] : lo que hace un recorrido por los países América del Sur con gran éxito antes de volver a actuar en Bagaglino con Enrico Montesano .Gabriella Ferri hace apariciones ocasionales con su repertorio de tradicionales Folkstudio romana a Roma, pero ya es demasiado conocido cantante de un metro local y luego ya está involucrado con el Bagaglino. No desdeña, sin embargo, el ritmo, y él también actuó en el club de Piper : después de firmar un contrato de grabación con RCA italiana , participa en 1969 en el Festival de Sanremo , pero a pesar de presentar, junto con Stevie Wonder , una hermosa canción con ritmos de sonido y el rhythm and blues, escrito por Gabriela con su padre y Vittorio Piero Pintucci , titulado Si tú eres mi hijo , el artista se elimina en la primera ronda y Sanremo nunca volverá.
El disco está siendo un éxito, y la canción es reinterpretado por muchos otros artistas (como The Chameleons y la Nada : esto hace que el RCA para publicar a finales de 1969, el álbum de Gabriella Ferri , en el que las canciones se yuxtaponen con las canciones más modernas en la tradición como Ciccio Formaggio , el disco también es importante en el intento de crear una nueva canción que riallacci tradición romana, y emblemático en este sentido son fregnone Sor , escrito por Ferri en una música de Víctor Nocenzi (tecladista del Banco de Ayuda Mutua ), y Sinno Me Oscuro , una canción escrita en 1961 por el director Pietro Germi música de Carlo Rustichelli para la película Los hechos de asesinato y cantada por la hija de Rustichelli, Alida Chelli (Gabriella había grabado ya en 1963 con Luisa De Sanctis).
Así comienza las primeras actuaciones, basadas en el repertorio tradicional de la canción romana (como Barcarolo romana ) y el canto en los bares (como una sociedad de grandes comedores ), y una noche, en ' Club de Intra de Milán (en ese período son recibidos por Camilla Cederna ), fueron advertidos por Walter Guertler , lo que les sitúa bajo contrato y publicar sus primeras 45 vueltas con el Jolly , una nueva versión de la canción popular La sociedad de los grandes comedores .También en 1963 tienen la primera experiencia en televisión, en la transmisión de los sueños La feria presentado por Mike Bongiorno , en el que canto la sociedad de los comedores grandes , que en los días siguientes a la aparición en la televisión, la venta de un millón setecientos mil ejemplares [ la citación necesitó ] , convirtiéndose en uno de los himnos de la juventud de aquellos años .En 1965, estrenó en los cines italianos y extranjeros, y tal vez su primer contenido de video de música en la película Ritmo 008 Operación del director, productor Tullio Piacentini.El Joker continuación, entrar en el mercado un nuevo single en esta ocasión de los artistas que dibujan la gente siciliana tallar su propia versión de sciuri sciuri y Crozza Vitti 'na : El segundo single fue un gran éxito y los artistas afectados tercero consta de 45 vueltas Pobre Cecilia , una canción tradicional a menudo cantadas por los juglares y el lado B de Es todas mis cosas , tomado de la serie El galimatías con música de Ennio Morricone . El dúo, sin embargo, es de corta duración, debido a la timidez que Luisa le encanta cantar en público, Gabriella continúa en solitario, grabando un álbum en 1966, el mismo año en Canadá para una gira de un teatro de la música popular dirigida por Aldo del Triunfo , junto con otros representantes de la popular italiana como Caterina Bueno , Profazio Otello y el actor Lino Toffolo .Después de sus años en Milán, regresó a Roma a finales de 1966, y aterrizó en Bagaglino de Roma , donde se convirtió en el cantante oficial, aquí sabe Pintucci Piero , quien se convertirá en un colaborador musical habitual, y registró un 45 en 1968 la ARC , se ha reducido por la noche , que en Italia tiene un gran éxito comercial.El lado B de este single, Te doy mis ojos , llegó a la cima de las listas en América del Sur y Gabriella afectan en español con el título de Te regalo Ojos erróneas que venden varios millones de copias [ cita requerida ] : lo que hace un recorrido por los países América del Sur con gran éxito antes de volver a actuar en Bagaglino con Enrico Montesano .Gabriella Ferri hace apariciones ocasionales con su repertorio de tradicionales Folkstudio romana a Roma, pero ya es demasiado conocido cantante de un metro local y luego ya está involucrado con el Bagaglino. No desdeña, sin embargo, el ritmo, y él también actuó en el club de Piper : después de firmar un contrato de grabación con RCA italiana , participa en 1969 en el Festival de Sanremo , pero a pesar de presentar, junto con Stevie Wonder , una hermosa canción con ritmos de sonido y el rhythm and blues, escrito por Gabriela con su padre y Vittorio Piero Pintucci , titulado Si tú eres mi hijo , el artista se elimina en la primera ronda y Sanremo nunca volverá.
El disco está siendo un éxito, y la canción es reinterpretado por muchos otros artistas (como The Chameleons y la Nada : esto hace que el RCA para publicar a finales de 1969, el álbum de Gabriella Ferri , en el que las canciones se yuxtaponen con las canciones más modernas en la tradición como Ciccio Formaggio , el disco también es importante en el intento de crear una nueva canción que riallacci tradición romana, y emblemático en este sentido son fregnone Sor , escrito por Ferri en una música de Víctor Nocenzi (tecladista del Banco de Ayuda Mutua ), y Sinno Me Oscuro , una canción escrita en 1961 por el director Pietro Germi música de Carlo Rustichelli para la película Los hechos de asesinato y cantada por la hija de Rustichelli, Alida Chelli (Gabriella había grabado ya en 1963 con Luisa De Sanctis).
Fernando De Madariaga
Ganador 2 veces del Festival Mundial de la Canción Popular en Tokio, Japón en 1975 . Compartiendo premios con Tom Sullivan, cantante y compositor no vidente Norteamericano y Nidia Caro de Venezuela. La canción con la que obtuvo el premio fue Buscame Llamame de Richard Moschulske y el conocido cantante y compositor
Charly Leroy.
También participó del mismo festival en el año 1979, con la canción Sin Amor Nada Soy de su propia autoría junto con Richard Mochulske. Compartiendo premios también con: Homero de Perú , Boni Tylor y
Cisie Houston de EEUU.
Ganador de varios discos de oro y platino en la Republica Argentina con Adios Hoy Sobran las Palabras en el año 1974 con Una Sonrisa Una Lágrima y Buscame Llamame en el año 1975 con Por Mañana Por Después en el año 1976 tema con el cual participó del Festival Internacional de Palma de Mallorca junto a Paloma San Basilio, Julio Iglesias, Romina Powers.
En el año 1977 también con una canción de Charly Leroy y Richard Mochulske logro un tremendo suceso en el verano de ese año la canción era Ese Amor Soy Yo.
En el año 1978 participó en una serie de películas producidas por el sello discográfico Microfón. En la primera película de la serie debutaron Claudio Levrino y Graciela Alfano. En la segunda Mónica Gonzaga, Ricardo Darín y Cacho Castaña. Y en las siguientes participaron los mas importantes cantantes de esa época.
En los años '80 con el advenimiento de la democracia en la Argentina y el retorno de Alejandro Romay a canal 9, condujo el programa SEXITANTE, en el cual debutaba como cómico Nito
Artaza con el excelente actor Darío Vittori y la conocida Adriana Aguirre estando en el tope del rating del canal 9.
Con la inauguración de las transmisiones televisivas con coaxil en directo a todo el país Fernando de Madiaraga tuvo su espacio exclusivo durante 2 años a las 5 de la tarde junto con Leonardo Simons en Sábados de la Bondad recibiendo llamadas de cualquier parte del país y dedicándolas personalmente a los televidentes.
En 1984, por primera vez, un teleteatro escrito por Luis Gallo Paz tomó el álbum completo de Amores de Mi Vida y cada personaje y cada pareja tenían su canción exclusiva. El Teleteatro se llamaba: NO ES UN JUEGO VIVIR con la participación de Elizabeth Kilian, Aldo Pastur, la desaparecida Graciela Zimer con Marcos Stell, Horacio Ranieri y Cristina Alberó. Contando con el máximo de audiencia, lo que le permitió obtener con la empresa grabadora, nuevamente un disco de oro y otro de platino que pusieron a Fernando de Madariaga otra vez, en los primeros puestos de los rankins de ventas en toda la Argentina, manteniéndolos hasta fines de los '80 con el LP Dile Que Tu Estas Enamorada y Me Tienes Entre La Espada y La Pared con la misma vigencia que
en la década del '70.
Cabe destacar que todos los éxitos discográficos de este intérprete habían sido con temas inéditos. Actualmente productor de sus tres últimos compacts discs:
POR TI, HOMENAJE A NINO BRAVO, BOLEROS junto con el TRIO LOS ABRILES.
Charly Leroy.
También participó del mismo festival en el año 1979, con la canción Sin Amor Nada Soy de su propia autoría junto con Richard Mochulske. Compartiendo premios también con: Homero de Perú , Boni Tylor y
Cisie Houston de EEUU.
Ganador de varios discos de oro y platino en la Republica Argentina con Adios Hoy Sobran las Palabras en el año 1974 con Una Sonrisa Una Lágrima y Buscame Llamame en el año 1975 con Por Mañana Por Después en el año 1976 tema con el cual participó del Festival Internacional de Palma de Mallorca junto a Paloma San Basilio, Julio Iglesias, Romina Powers.
En el año 1977 también con una canción de Charly Leroy y Richard Mochulske logro un tremendo suceso en el verano de ese año la canción era Ese Amor Soy Yo.
En el año 1978 participó en una serie de películas producidas por el sello discográfico Microfón. En la primera película de la serie debutaron Claudio Levrino y Graciela Alfano. En la segunda Mónica Gonzaga, Ricardo Darín y Cacho Castaña. Y en las siguientes participaron los mas importantes cantantes de esa época.
En los años '80 con el advenimiento de la democracia en la Argentina y el retorno de Alejandro Romay a canal 9, condujo el programa SEXITANTE, en el cual debutaba como cómico Nito
Artaza con el excelente actor Darío Vittori y la conocida Adriana Aguirre estando en el tope del rating del canal 9.
Con la inauguración de las transmisiones televisivas con coaxil en directo a todo el país Fernando de Madiaraga tuvo su espacio exclusivo durante 2 años a las 5 de la tarde junto con Leonardo Simons en Sábados de la Bondad recibiendo llamadas de cualquier parte del país y dedicándolas personalmente a los televidentes.
En 1984, por primera vez, un teleteatro escrito por Luis Gallo Paz tomó el álbum completo de Amores de Mi Vida y cada personaje y cada pareja tenían su canción exclusiva. El Teleteatro se llamaba: NO ES UN JUEGO VIVIR con la participación de Elizabeth Kilian, Aldo Pastur, la desaparecida Graciela Zimer con Marcos Stell, Horacio Ranieri y Cristina Alberó. Contando con el máximo de audiencia, lo que le permitió obtener con la empresa grabadora, nuevamente un disco de oro y otro de platino que pusieron a Fernando de Madariaga otra vez, en los primeros puestos de los rankins de ventas en toda la Argentina, manteniéndolos hasta fines de los '80 con el LP Dile Que Tu Estas Enamorada y Me Tienes Entre La Espada y La Pared con la misma vigencia que
en la década del '70.
Cabe destacar que todos los éxitos discográficos de este intérprete habían sido con temas inéditos. Actualmente productor de sus tres últimos compacts discs:
POR TI, HOMENAJE A NINO BRAVO, BOLEROS junto con el TRIO LOS ABRILES.
jueves, 11 de septiembre de 2014
Agua Mojada
Las troupes de chicas y chicos modernos que bailan los temas musicales más populares de la época están en 1970, a la orden del día. El primer programa de este tipo fue "Sótano Beat" (Canal 13). Iba los viernes a las 20.30 y contaba con un equipo de animadores: Fernando Dick (del duo Bárbara y Dick), Charli LeRoy, Liliana Caldini, Leonardo Simons, Alicia Badaracco, Leticia y Amelie.
Simons pronto abandona esta conducción y pasa a competir con un ciclo similar de enorme éxito. "Música en Libertad" por Canal 9, junto a Maisabé. El programa instala la nueva moda femenina: minishorts y botas blancas, pantalones con pata de elefante, delineador y pestañas postizas. Los jóvenes y desconocidos Silvana Di Lorenzo, Raúl Padovani, María Esther Lovero y Christian Andrade se hacen famosos casi de la noche a la mañana y emprenden una carrera como cantantes.
"Alta tensión", conducido por Fernando Bravo en Canal 13, hereda el público de Sótano Beat. Se emite los sábados a las 2 de la tarde.
SOTANO BEAT
Otros que desfilaron por el programa y aparecieron en los discos: Alta Tensión, música en libertad, Agua Mojada, Juan y Juan, Los Iracundos, Carlos Bisso y su Conexión N° 5, Diego Verdaguer, Luis Grillo, etc, etc. Como curiosidad y seguramente por pertenecer a la RCA aparece en una de estas recopilaciones, la llamada "A todo Calor" un tema de los italianos La Formula 3, nada menos que con el tema de su simple debut, aún enrolado en el beat italiano "Questo Folle Sentimiento" compuesto por el duo Mogol/Battisti.
Simons pronto abandona esta conducción y pasa a competir con un ciclo similar de enorme éxito. "Música en Libertad" por Canal 9, junto a Maisabé. El programa instala la nueva moda femenina: minishorts y botas blancas, pantalones con pata de elefante, delineador y pestañas postizas. Los jóvenes y desconocidos Silvana Di Lorenzo, Raúl Padovani, María Esther Lovero y Christian Andrade se hacen famosos casi de la noche a la mañana y emprenden una carrera como cantantes.
"Alta tensión", conducido por Fernando Bravo en Canal 13, hereda el público de Sótano Beat. Se emite los sábados a las 2 de la tarde.
SOTANO BEAT
Otros que desfilaron por el programa y aparecieron en los discos: Alta Tensión, música en libertad, Agua Mojada, Juan y Juan, Los Iracundos, Carlos Bisso y su Conexión N° 5, Diego Verdaguer, Luis Grillo, etc, etc. Como curiosidad y seguramente por pertenecer a la RCA aparece en una de estas recopilaciones, la llamada "A todo Calor" un tema de los italianos La Formula 3, nada menos que con el tema de su simple debut, aún enrolado en el beat italiano "Questo Folle Sentimiento" compuesto por el duo Mogol/Battisti.
Tormenta
Liliana Esther Maturano conocida como Tormenta nació en el barrio de Mataderos,el 15 de Diciembre, en el marco de una feliz familia. Luego sus padres, deciden mudarse a Paso del Rey (Provincia de Bs. As.), donde disfruta su niñez.
El brillo del deporte ya había dejado huellas importantes en la familia, porque su padre Héctor Maturano, de profesión boxeador, había logrado ser campeón en 1946, obteniendo el título "medio pesado latinoamericano".
Desde muy niña, a Liliana le gustaba cantar y componer canciones, aunque en esos momentos, pensar en una carrera profesional era algo muy remoto y distante. De todas formas mientras crecía y estudiaba, la firme atracción por la música, hacía que se aferre a la guitarra o al piano como si fuera una disciplina. Todos los amigos que siempre la oían cantar y sabían de su facilidad para componer, trataban de animarla para que encare una carrera de cantante, pero ella no sentía una gran aspiración profesional, se conformaba y era feliz con cantar para sus amigos y nada más.
A comienzos del año 1969, la música seguía transformándose, Los Beatles llegaban a su etapa final y los criticados hippies pasaban de ser un movimiento a una moda, con la que muchos jóvenes amantes de la paz y la libertad se sentían identificados.
En esos momentos, Víctor Heredia, también oriundo de Paso del Rey, que ya se dedicaba a la música profesionalmente y conocía empresas discográficas, la presenta en la "RCA Víctor" para entonces Liliana tenía tan solo 17 años y mucho talento para poder demostrar.La joven, sin imaginar el futuro profesional que le deparaba el destino, es presentada ante las autoridades que se encargaban de descubrir nuevos valores y tomar pruebas a los que soñaban con llegar al disco.
Para entonces Liliana, tímidamente entrega una canción que ella misma había escrito y el talentoso músico Horacio Malvicino, quien ya había dirigido y arreglado los temas de los artistas más importantes del país y que difícilmente disponía de tiempo, prepara el arreglo del tema, que la modesta muchacha había registrado con el título "Cebando Mate",una canción que hablaba de cosas simples y cotidianas, pero con un sabor muy Argentino.Es así como llega por primera vez a la sala de grabación para dejarla lista. La empresa le asigna al experimentado productor musical Jacko Zeller, quien además le compone un tema junto a Esther Kanner con el título "Y lloro", para que también la grabe y que forme parte de la cara "B" de su primer disco simple.
Mientras tanto un nuevo estilo musical que identificaba a la juventud de nombre "Beat",se ponía de moda con mucho furor, Liliana desde su casa de Paso del Rey, veía pasar los meses a la espera del resultado de la prueba de fuego con el lanzamiento de su primer disco y sin ponerse muy impaciente se deleitaba entonando algunas canciones de sus ídolos Los Beatles y continuaba componiendo junto a su inseparable guitarra.Sin faltar mucho para que termine el año 1970, la Rca Víctor, bajo el sello "VIK", que era el sello subsidiario donde se albergaba la música de la juventud y que había sido lanzado con rotundo éxito a principios de los años '60 por el movimiento denominado "La nueva ola", de la mano de Palito Ortega y Violeta Rivas (pilares de "El Club del Clan" y pioneros del furor juvenil en la Argentina), hace aparecer su primer disco simple y entonces Mario Pizurno (directivo de la Rca Víctor), rebautiza a la joven Maturano con el nombre artístico "Tormenta", nombre que sonaba muy original para ella y para la juventud (en esos momentos, la música beat despertaba la inspiración de seudónimos extravagantes como: Pintura fresca, Solvente, Almendra, Banana, Agua mojada, etc...).
Es así como el simple 31Z-1560,"Cebando Mate", se transforma en un éxito inmediato, su ritmo pegadizo hace que los jóvenes lo arrebaten de las disquerías, con una primera tirada de 280.000 placas, para ubicarse en el número uno de todos los rankings y ocupando un lugar destacado en todas las emisoras radiales...
El 16 de Diciembre de 1969, hace su debut profesional, la gente quería conocerla y aplaudirla, ella sentía mucha vergüenza de enfrentar al público, pero la popularidad no le daba opciones de pensar las cosas demasiado.
Por tal motivo comienza un año 1970 con mucha fuerza, su rostro y su voz aparecen en una publicidad para televisión y sin saber aún donde estaba la luz que le indicaba a que cámara de televisión dirigirse, aparece en los programas musicales más famosos del momento como "Sótano Beat", "Alta Tensión", "Sábados Circulares", "Casino", etc...
El brillo del deporte ya había dejado huellas importantes en la familia, porque su padre Héctor Maturano, de profesión boxeador, había logrado ser campeón en 1946, obteniendo el título "medio pesado latinoamericano".
Desde muy niña, a Liliana le gustaba cantar y componer canciones, aunque en esos momentos, pensar en una carrera profesional era algo muy remoto y distante. De todas formas mientras crecía y estudiaba, la firme atracción por la música, hacía que se aferre a la guitarra o al piano como si fuera una disciplina. Todos los amigos que siempre la oían cantar y sabían de su facilidad para componer, trataban de animarla para que encare una carrera de cantante, pero ella no sentía una gran aspiración profesional, se conformaba y era feliz con cantar para sus amigos y nada más.
A comienzos del año 1969, la música seguía transformándose, Los Beatles llegaban a su etapa final y los criticados hippies pasaban de ser un movimiento a una moda, con la que muchos jóvenes amantes de la paz y la libertad se sentían identificados.
En esos momentos, Víctor Heredia, también oriundo de Paso del Rey, que ya se dedicaba a la música profesionalmente y conocía empresas discográficas, la presenta en la "RCA Víctor" para entonces Liliana tenía tan solo 17 años y mucho talento para poder demostrar.La joven, sin imaginar el futuro profesional que le deparaba el destino, es presentada ante las autoridades que se encargaban de descubrir nuevos valores y tomar pruebas a los que soñaban con llegar al disco.
Para entonces Liliana, tímidamente entrega una canción que ella misma había escrito y el talentoso músico Horacio Malvicino, quien ya había dirigido y arreglado los temas de los artistas más importantes del país y que difícilmente disponía de tiempo, prepara el arreglo del tema, que la modesta muchacha había registrado con el título "Cebando Mate",una canción que hablaba de cosas simples y cotidianas, pero con un sabor muy Argentino.Es así como llega por primera vez a la sala de grabación para dejarla lista. La empresa le asigna al experimentado productor musical Jacko Zeller, quien además le compone un tema junto a Esther Kanner con el título "Y lloro", para que también la grabe y que forme parte de la cara "B" de su primer disco simple.
Mientras tanto un nuevo estilo musical que identificaba a la juventud de nombre "Beat",se ponía de moda con mucho furor, Liliana desde su casa de Paso del Rey, veía pasar los meses a la espera del resultado de la prueba de fuego con el lanzamiento de su primer disco y sin ponerse muy impaciente se deleitaba entonando algunas canciones de sus ídolos Los Beatles y continuaba componiendo junto a su inseparable guitarra.Sin faltar mucho para que termine el año 1970, la Rca Víctor, bajo el sello "VIK", que era el sello subsidiario donde se albergaba la música de la juventud y que había sido lanzado con rotundo éxito a principios de los años '60 por el movimiento denominado "La nueva ola", de la mano de Palito Ortega y Violeta Rivas (pilares de "El Club del Clan" y pioneros del furor juvenil en la Argentina), hace aparecer su primer disco simple y entonces Mario Pizurno (directivo de la Rca Víctor), rebautiza a la joven Maturano con el nombre artístico "Tormenta", nombre que sonaba muy original para ella y para la juventud (en esos momentos, la música beat despertaba la inspiración de seudónimos extravagantes como: Pintura fresca, Solvente, Almendra, Banana, Agua mojada, etc...).
Es así como el simple 31Z-1560,"Cebando Mate", se transforma en un éxito inmediato, su ritmo pegadizo hace que los jóvenes lo arrebaten de las disquerías, con una primera tirada de 280.000 placas, para ubicarse en el número uno de todos los rankings y ocupando un lugar destacado en todas las emisoras radiales...
El 16 de Diciembre de 1969, hace su debut profesional, la gente quería conocerla y aplaudirla, ella sentía mucha vergüenza de enfrentar al público, pero la popularidad no le daba opciones de pensar las cosas demasiado.
Por tal motivo comienza un año 1970 con mucha fuerza, su rostro y su voz aparecen en una publicidad para televisión y sin saber aún donde estaba la luz que le indicaba a que cámara de televisión dirigirse, aparece en los programas musicales más famosos del momento como "Sótano Beat", "Alta Tensión", "Sábados Circulares", "Casino", etc...
Los Galos
Santiago de Chile, 1963. Internado de la Escuela Industrial Don Orione, Roberto Zuñiga Mauro-Batería- reúne a Luis Tamblay Rojas -Acordeón- y a Juan "Bocaccio" Méndez -Clarinete-, siendo unos niños de 14 años, y forma la agrupación THE DOUGLAS, la que se completaría posteriormente con Mario Darigo Ciet -trompeta-, y Julio Espinoza, primer cantante de la agrupación, quien alcanzaría a estar solo 1 año en el grupo. En 1965 terminan sus estudios en el internado, se retiran Tamblay y Méndez, por lo que Roberto Zúñiga agrega a Carlos Baeza, guitarrista y compositor, quien a su vez toma al clarinetista Nicolás Parra, el que debe cambiar su instrumento por un saxofón.
Carlos Baeza toma la batuta como director musical.
En Diciembre de 1966, Zúñiga y Baeza consiguen un contrato por la temporada veraniega en el hotel Continental en Cartagena, popular balneario de Chile, para lo cuál debían contar con un vocalista. Baeza recurre a "charrito " Muñoz.
En 1967 a condición de cambiar el nombre de la agrupación, se graba el primer disco: "Tímido", en el que se advierte; claramente, que ya existía el sonido, pero no acompañaba la voz. El grupo pasa a llamarse "El Sonido de los Galos". En el verano de 1968 ingresa el tecladista Jorge Deij Molina.
En 1970, Carlos Baeza compone "COMO DESEO SER TU AMOR", se graba toda la orquestación, a la hora de poner la voz, Baeza, en su calidad de compositor y director musical del grupo; entra al locutorio y le dice, al hasta ese entonces inocuo Charrito Muñoz: "esto me lo cantas entre Sandro y Favio", así aprendió a cantar Muñoz, lo demás es historia.
Ese mismo año se retira Carlos Baeza y lo reemplaza Wilson Morales Andrade.
En 1971, Los Galos sufren un grave accidente carretero, con lo cual Darigo se retira, siendo reemplazado por Leo Núñez Guerrero, trompetista, arreglador y también compositor.
Entre 1971 y 1975, recorren varias veces toda América Latina. Graban más y más discos, todos de gran éxito, lo que hace cegar a Muñoz, quien se retira el 1 de Enero de 1974.
Los Galos. en su carrera artística, Ann sido honrados con todos los trofeos o reconocimientos que en cada país de América Latina se otorga a los artistas que han destacado por su trabajo. Chile: Laurel de oro; Estrella de oro; de las Últimas Noticias, Medalla de Oro de Ricardo García, Gato Yoyo; de revista Ritmo; El Roto Chileno; del Teatro Caupolicán.
Perú: El Circe de Oro; El Tiahuanaco de Oro.
Argentina: Facundo de Oro.
Así también reconocimientos similares en Costa Rica, Honduras, El Salvador, Guatemala, Nicaragua, Panamá, Colombia, Venezuela, Uruguay, Paraguay, Ecuadory Bolivia; todos estos les fueron entregados durante las giras que realizaron en los años 70.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)