Cancionista y actriz
(10 de febrero de 1917 - 25 de mayo de 2006)
Nombre completo: Aída da Lus de Roca
Nació en la localidad de Alejandro Korn, en la provincia de Buenos Aires. Hija de Juan da Lus de Roca y Josefa Borbón, uno de sus hermanos sería figura importante del teatro, cine y la televisión, me refiero a Jorge Luz.
Desde su niñez demostró grandes condiciones para el canto y la actuación. Por ese motivo, ingresó a estudiar en la importante academia PAADI, dirigida por los hermanos Rubistein (avenida Callao 420). Y, a los 19 años, debutó como cancionista en Radio La Nación que a partir de 1937 pasó a llamarse Radio Mitre.
En 1936, por recomendación del cantor Ernesto Famá, realizó un pequeño papel en la película "Loco lindo", dirigida por Arturo S. Mom, cuyos principales protagonistas fueron Luis Sandrini, Sofía Bozán, Tomás Simari, Juan Sarceni, Pedro Fioriti y Famá, quien canta el tema de Carlos Di Sarli y del escritor Conrado Nalé Roxlo (Chamico), "Loco lindo".
Ese mismo año, participó nuevamente en el cine, en el film "Ya tiene comisario el pueblo", codirigida por Claudio Martínez Payva y Eduardo Morera, junto a Agustín Irusta, Roberto Fugazot y Leonor Rinaldi, entre otros.
Paralelamente, continuó cantando con éxito en Radio Mitre, compartiendo la cartelera de la emisora junto a Carmen Duval, Aída Denis y Yola Yoli.
Después, actuó junto al cantor Alberto Gómez en "De la sierra al valle", de Antonio Ber Ciani (1938); con Tito Lusiardo y el cantor Osvaldo Moreno; en "El sobretodo de Céspedes", de Leopoldo Torres Ríos (1939) y, en 1940, cantó su primer tango para el cine, "El pañuelito", en la película de Luis Bayón Herrera; "Los celos de Cándida", cuya protagonista principal era Niní Marshall. Ese año y con el mismo director, fue la figura principal en "Amor", junto a Pepita Serrador y Adolfo Stray.
Lamentablemente para el tango, resulta evidente que en su corazón primaba la actriz sobre la cancionista. Así se sucedieron, sin solución de continuidad, innumerables películas y presentaciones teatrales, nombraremos las más destacadas:
"Cuando canta el corazón", de Richard Harlan, junto al consagrado Hugo del Carril, donde cantan a dúo: "Buenos Aires", "La morocha" y "Dónde estás corazón" (1941).
"Papá tiene novia", de Carlos Schlieper, con Amanda Ledesma (1941); "La piel de zapa", de Bayón Herrera, con Hugo del Carril, en la que hacen a dúo "La noche de mis sueños" (1943).
"Pobre mi madre querida", inolvidable film codirigido por Homero Manzi y Ralph Pappier, junto a Hugo del Carril y la actriz italiana Emma Gramática (1948); "El último payador", de los mismos directores, nuevamente junto a Hugo del Carril, en homenaje a José Betinotti (1950).
Un párrafo aparte merece "El patio de la morocha" (1953), sainete lírico de Cátulo Castillo , con la dirección musical de Aníbal Troilo, donde hace el papel protagónico. Curiosamente, ese personaje había sido ofrecido primero a Virginia Luque, quien no aceptó por discordancias con la producción. Fue uno de los espectáculos más exitosos, con la participación del cuarteto Troilo-Grela y los cantores, Agustín Irusta, Jorge Casal y Raúl Berón. Aída estrenó el tango "Patio mío" y la habanera "La retrechera", en las que, pese al tiempo trascurrido, demostró que su voz y su calidad interpretativa estaban intactas.
Al finalizar la extensa temporada teatral, la empresa Odeon, la convocó a registrar para su sello subsidiario Pampa, los temas del sainete y, en otro disco, los tangos "El pañuelito" y "Milonguita".
Luego de este breve pero exitoso regreso al canto, esta estrella tan ligada a nuestra música ciudadana, regresó a su verdadera vocación de actriz, con una magnífica trayectoria avalada por los más importantes premios: Martín Fierro, Ace de oro, San Gabriel, Konex, Cóndor de oro, Estrella de Mar, Blanca Podestá y el mayor de todos ellos, el reconocimiento del público.
Bienvenidos!! A Radio ElviejoWinco La Mejor Música Que Usted Siempre Quiso Volver A Escuchar. Música De Los 50, 60, 70 y 80, Porque Como Siempre, Es Algo Para Recordar.
jueves, 18 de septiembre de 2014
Alain debray
Como miembro de las distintas formaciones de Astor Piazzolla, grabó quince discos.
Su obra tanguística personal, abierta al jazz y, también, a la bossa nova, también es extensa, con proyectos junto a músicos como Leopoldo Federico y Daniel Binelli.
Musicalizó numerosas películas. Considerado pionero del jazz moderno en la Argentina y el primer guitarrista local de bebop. Y, sin embargo, hasta hace relativamente poco no había ninguna grabación que llevara su nombre al frente de una formación. La carencia fue solucionada por el sello Melopea con una grabación de 1964: Horacio Malvicino Jazz Quinteto, el disco que resultó de aquellas antológicas grabaciones en el auditorio de la Radio Ciudad de Buenos Aires.
Dicho ciclo de Radio Ciudad incluyó a las figuras más representativas de distintos géneros, y por allí pasaron Enrique Villegas, los Hermanos Abalos y Horacio Salgán, entre otros. "Eran audiciones cortas, de quince minutos, pero que tenían una audiencia impresionante", recuerda Malvicino. La formación del disco se completa con Horacio "Chivo" Borraro en saxo tenor, Santiago Giacobbe en piano, Mario "Mojarra" Fernández en bajo, Rolando "Oso" Picardi en batería y Oscar Alem como invitado en un tema, tocando el bajo. El repertorio abarca desde standars de jazz de los más revisitados como Misty hasta Tune Up de Miles Davis, un tema que lleva la firma de Borraro o una reunión de Improvisaciones sobre blues. O sea, todo aquello que tenían ganas de tocar. "Y todo totalmente improvisado, como corresponde al jazz", advierte el guitarrista. "Fue tan encantador vivir los encuentros con aquel grupo... Era como jugar en la delantera del seleccionado. Nos conocíamos tanto que con sólo mirarnos ya sabíamos lo que iba a pasar", dice, y enseguida aclara: "De más está decir que la grabación está hecha con otra tecnología, se grababa con un solo micrófono y el técnico tenía que tener en cuenta la ubicación de todos los instrumentos. Y todo iba directamente, sin pruebas previas." Como cierre del CD, se escucha el anuncio de una locutora que sitúa al oyente en la época: "Un programa similar, con Horacio Malvicino y su quinteto de jazz, el próximo miércoles, siempre en el horario de las 19.30".
Don Nobody y Alain Debray fueron los sinónimos que Malvicino utilizó para enmascararse frente a los puristas del jazz y hacer música "comercial" con tranquilidad. Pero Malveta es como siempre lo llamaron sus amigos. En Concordia, donde vivió hasta los 18 años, conoció a Django Renjardt y Chary Christian gracias a un amigo coleccionista. Cuando llegó a Buenos Aires se fascinó con el llamado movimiento bopper, y junto a músicos como el Gato Barbieri, Lalo Schifrin y el Mono Villegas le rindió culto en el Bop Club, el lugar donde nacieron los primeros intentos por desarrollar el jazz moderno en la Argentina. Hasta aquel club de Congreso lo fue a buscar Piazzolla para pedirle que formara parte del primer Octeto que concretaría de 1955 a 1958. Y lo siguió convocando hasta la disolución de su último Sexteto. "Tuve la satisfacción de que el Tano me llamara cada vez que se le ocurría. He entrado y salido diez veces de sus agrupaciones", comenta el guitarrista. "'O dejás a Piazzolla o te reventamos'", cuenta que le decían en aquella época por la calle, sin mucha metáfora. "Amenazas de ese tipo recibía todos los días. Llamadas telefónicas, anónimos, tomatazos, tipos que me puteaban por la calle. Para peor yo era la guitarra eléctrica: el objeto maldito dentro del tango."
En el libro de memorias de Piazzolla que recopiló Natalio Botana se lee la opinión del bandoneonista sobre Malvicino: "Es el guitarrista que mejor comprendió todo lo que yo escribí, tal vez porque es el más tanguero de los tres" (los otros eran Cacho Tirao y Oscar López Ruiz). Malvicino elude el cumplido y explica el camino recorrido: "Me pasé la vida al lado de Piazzolla y su maravillosa influencia que no se me va a ir así nomás. Pero yo quiero seguir haciendo mis cosas", explica, por si tuviésemos dudas.
Su obra tanguística personal, abierta al jazz y, también, a la bossa nova, también es extensa, con proyectos junto a músicos como Leopoldo Federico y Daniel Binelli.
Musicalizó numerosas películas. Considerado pionero del jazz moderno en la Argentina y el primer guitarrista local de bebop. Y, sin embargo, hasta hace relativamente poco no había ninguna grabación que llevara su nombre al frente de una formación. La carencia fue solucionada por el sello Melopea con una grabación de 1964: Horacio Malvicino Jazz Quinteto, el disco que resultó de aquellas antológicas grabaciones en el auditorio de la Radio Ciudad de Buenos Aires.
Dicho ciclo de Radio Ciudad incluyó a las figuras más representativas de distintos géneros, y por allí pasaron Enrique Villegas, los Hermanos Abalos y Horacio Salgán, entre otros. "Eran audiciones cortas, de quince minutos, pero que tenían una audiencia impresionante", recuerda Malvicino. La formación del disco se completa con Horacio "Chivo" Borraro en saxo tenor, Santiago Giacobbe en piano, Mario "Mojarra" Fernández en bajo, Rolando "Oso" Picardi en batería y Oscar Alem como invitado en un tema, tocando el bajo. El repertorio abarca desde standars de jazz de los más revisitados como Misty hasta Tune Up de Miles Davis, un tema que lleva la firma de Borraro o una reunión de Improvisaciones sobre blues. O sea, todo aquello que tenían ganas de tocar. "Y todo totalmente improvisado, como corresponde al jazz", advierte el guitarrista. "Fue tan encantador vivir los encuentros con aquel grupo... Era como jugar en la delantera del seleccionado. Nos conocíamos tanto que con sólo mirarnos ya sabíamos lo que iba a pasar", dice, y enseguida aclara: "De más está decir que la grabación está hecha con otra tecnología, se grababa con un solo micrófono y el técnico tenía que tener en cuenta la ubicación de todos los instrumentos. Y todo iba directamente, sin pruebas previas." Como cierre del CD, se escucha el anuncio de una locutora que sitúa al oyente en la época: "Un programa similar, con Horacio Malvicino y su quinteto de jazz, el próximo miércoles, siempre en el horario de las 19.30".
Don Nobody y Alain Debray fueron los sinónimos que Malvicino utilizó para enmascararse frente a los puristas del jazz y hacer música "comercial" con tranquilidad. Pero Malveta es como siempre lo llamaron sus amigos. En Concordia, donde vivió hasta los 18 años, conoció a Django Renjardt y Chary Christian gracias a un amigo coleccionista. Cuando llegó a Buenos Aires se fascinó con el llamado movimiento bopper, y junto a músicos como el Gato Barbieri, Lalo Schifrin y el Mono Villegas le rindió culto en el Bop Club, el lugar donde nacieron los primeros intentos por desarrollar el jazz moderno en la Argentina. Hasta aquel club de Congreso lo fue a buscar Piazzolla para pedirle que formara parte del primer Octeto que concretaría de 1955 a 1958. Y lo siguió convocando hasta la disolución de su último Sexteto. "Tuve la satisfacción de que el Tano me llamara cada vez que se le ocurría. He entrado y salido diez veces de sus agrupaciones", comenta el guitarrista. "'O dejás a Piazzolla o te reventamos'", cuenta que le decían en aquella época por la calle, sin mucha metáfora. "Amenazas de ese tipo recibía todos los días. Llamadas telefónicas, anónimos, tomatazos, tipos que me puteaban por la calle. Para peor yo era la guitarra eléctrica: el objeto maldito dentro del tango."
En el libro de memorias de Piazzolla que recopiló Natalio Botana se lee la opinión del bandoneonista sobre Malvicino: "Es el guitarrista que mejor comprendió todo lo que yo escribí, tal vez porque es el más tanguero de los tres" (los otros eran Cacho Tirao y Oscar López Ruiz). Malvicino elude el cumplido y explica el camino recorrido: "Me pasé la vida al lado de Piazzolla y su maravillosa influencia que no se me va a ir así nomás. Pero yo quiero seguir haciendo mis cosas", explica, por si tuviésemos dudas.
Los iracundos
El grupo se formó en 1958 en Paysandú, Uruguay, y contaba con seis miembros.
Inicialmente se auto denominaron los Blue Kings ya que en esa época estaban de moda los nombres en inglés; pero luego, adoptaron el nombre de Los Iracundos, debido al ingreso a la poderosa disquera RCA VICTOR.
Eduardo Franco (vocalista, compositor, arreglista), su hermano Leonardo Franco (primera guitarra), Juan "Bosco" Zabalo (segunda guitarra), Juan Carlos Velásquez (batería), Hugo Burgueño (bajo electrónico y coros) y Jesús María Febrero (teclados) fueron los seis integrantes originales del grupo. En realidad hubo un séptimo integrante, llamado José María Brunini, que si bien no llegó a grabar con el grupo formó parte de él en su etapa de gestación y lo dejó por exigencias paternas para seguir estudios de contabilidad.
Los Iracundos alcanzaron fama internacional a mediados de los 60 con temas románticos juveniles como Calla, Todo terminó, El desengaño, La lluvia terminó Felicidad, felicidad, El triunfador y Es la lluvia que cae, tema incluido en el álbum Iracundos en Roma, el más exitoso de esta década, éxitos que los llevan a incursionar, incluso, en el cine, en varias oportunidades como invitados y en una de ellas como protagonistas, en la película Este loco verano donde además interpretaban las canciones de su repertorio.
Su debut se produce el 10 de octubre de 1961, en el histórico Teatro Florencio Sánchez de la ciudad de Paysandù y en menos de dos años tenían grabado su primer simple en Montevideo, en el sello musical Clave, el cual contenía los temas Reten la noche y Madison. Además grabaron los temas A saint Tropez y Despierta Lorenzo.
Puerto Montt, composición de Eduardo Franco y Cacho Valdez, es sin duda la canción emblema del grupo, siendo grabada el 16 de octubre de 1968 en los estudios de la RCA-ARGENTINA y presentada en el II Festival Buenos Aires de la Canción el 11 de noviembre de 1968 quedando en segundo lugar de dicho evento, siendo el más recordado en el mundo de la banda.
En los 70 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como Te lo pido de rodillas, Y te has quedado sola, Chiquilina, Soy un mamarracho, Río verde, Infidelidad es tu traición, Marionetas de cartón, Cada noche mía, Me estás matando, Y me quedé en el bar, Tú me diste amor, Pasión y vida.
Sacando un álbum por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta década el grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus integrantes, siendo Eduardo Franco el creador de un estilo único, romántico y en su mayoría, rotundamente exitoso. Así también se editan un total de 6 álbumes con temas instrumentales, entre ellos Tango joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas Eduardo Franco interpreta El último café. También grabaron varios EP, Mini plays y discos de 45. Entre ellos está el Miniplay Los Iracundos para niños con 4 temas como Pedimos pido, La mala palabra, Pepito Agustín y Pedrito el mentiroso.
Continuaban grabando año tras año, en toda la década de los 70, con producciones que contenían temas de la composición de Eduardo Franco, como son Y me quedé en el bar, Cada noche mía, Como pretendes que te quiera, Fue una fábula.
Inicialmente se auto denominaron los Blue Kings ya que en esa época estaban de moda los nombres en inglés; pero luego, adoptaron el nombre de Los Iracundos, debido al ingreso a la poderosa disquera RCA VICTOR.
Eduardo Franco (vocalista, compositor, arreglista), su hermano Leonardo Franco (primera guitarra), Juan "Bosco" Zabalo (segunda guitarra), Juan Carlos Velásquez (batería), Hugo Burgueño (bajo electrónico y coros) y Jesús María Febrero (teclados) fueron los seis integrantes originales del grupo. En realidad hubo un séptimo integrante, llamado José María Brunini, que si bien no llegó a grabar con el grupo formó parte de él en su etapa de gestación y lo dejó por exigencias paternas para seguir estudios de contabilidad.
Los Iracundos alcanzaron fama internacional a mediados de los 60 con temas románticos juveniles como Calla, Todo terminó, El desengaño, La lluvia terminó Felicidad, felicidad, El triunfador y Es la lluvia que cae, tema incluido en el álbum Iracundos en Roma, el más exitoso de esta década, éxitos que los llevan a incursionar, incluso, en el cine, en varias oportunidades como invitados y en una de ellas como protagonistas, en la película Este loco verano donde además interpretaban las canciones de su repertorio.
Su debut se produce el 10 de octubre de 1961, en el histórico Teatro Florencio Sánchez de la ciudad de Paysandù y en menos de dos años tenían grabado su primer simple en Montevideo, en el sello musical Clave, el cual contenía los temas Reten la noche y Madison. Además grabaron los temas A saint Tropez y Despierta Lorenzo.
Puerto Montt, composición de Eduardo Franco y Cacho Valdez, es sin duda la canción emblema del grupo, siendo grabada el 16 de octubre de 1968 en los estudios de la RCA-ARGENTINA y presentada en el II Festival Buenos Aires de la Canción el 11 de noviembre de 1968 quedando en segundo lugar de dicho evento, siendo el más recordado en el mundo de la banda.
En los 70 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como Te lo pido de rodillas, Y te has quedado sola, Chiquilina, Soy un mamarracho, Río verde, Infidelidad es tu traición, Marionetas de cartón, Cada noche mía, Me estás matando, Y me quedé en el bar, Tú me diste amor, Pasión y vida.
Sacando un álbum por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta década el grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus integrantes, siendo Eduardo Franco el creador de un estilo único, romántico y en su mayoría, rotundamente exitoso. Así también se editan un total de 6 álbumes con temas instrumentales, entre ellos Tango joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas Eduardo Franco interpreta El último café. También grabaron varios EP, Mini plays y discos de 45. Entre ellos está el Miniplay Los Iracundos para niños con 4 temas como Pedimos pido, La mala palabra, Pepito Agustín y Pedrito el mentiroso.
Continuaban grabando año tras año, en toda la década de los 70, con producciones que contenían temas de la composición de Eduardo Franco, como son Y me quedé en el bar, Cada noche mía, Como pretendes que te quiera, Fue una fábula.
Paul Anka
Paul Anka nació el 30 de julio 1941en Ottawa en una familia muy unida de Canadá, Paul Anka no perdió mucho tiempo en llegar a su vida en la música comenzó. Cantó en el coro de la iglesia y estudió piano. Él perfeccionó sus habilidades de escritura con los cursos de periodismo, incluso trabajando para una temporada en el Ottawa Citizen. A los 13, él tenía su propio grupo vocal, los Bobbysoxers. Actuó en todas las noches de aficionados que podía llegar en coche de su madre, sin su conocimiento, por supuesto. Poco después, ganó un viaje a Nueva York, al ganar un concurso de sopa Campbell de IGA Food Stores que le obligaba a pasar tres meses cobrando la sopa de etiquetas pueden. Fue allí donde su sueño se solidificó, se le va a hacer como compositor cantante, no había duda en su mente tenaz joven.
En 1956, convenció a sus padres que le dejaran viajar a Los Angeles, donde llamó a todas las empresas de registro en la guía telefónica en busca de una audición. Una reunión con Modern Records condujeron a la liberación del primer single de Anka, "Blau-Wile Deverest Fontaine." No fue un éxito, pero Anka mantiene tapar lejos, hasta el punto de colarse en el camerino de Fats Domino para conocer al hombre y su gerente en Ottawa. Cuando Anka regresó de Nueva York en 1957, marcó una reunión con Don Costa, el hombre de A & R para la cadena ABC-Paramount Récords. Le jugó un puñado de canciones que incluyeron "Diana" - Costa fue debidamente entusiasmados con el potencial de la joven cantante y compositor. El rápido éxito y la enorme cantidad de "Diana" - su primer número uno golpeado - le hizo una estrella.
"Todos ellos son muy autobiográficas", dice Anka de sus primeros éxitos. "Yo estaba solo, los viajes, las chicas gritando, y nunca tuve cerca de ellos. Soy un adolescente y sentirse aislado y todo eso. Eso se convierte en "Lonely Boy". En los saltos de registro, estoy en el escenario y todos estos niños son la celebración de unos a otros con la cabeza sobre los hombros del otro. Entonces tengo que ir a cenar en mi habitación, porque hay miles de niños fuera del hotel - "Pon tu cabeza en mi hombro" era totalmente esa experiencia.
Pronto Pablo se encontró viajando en autobús con la "Cabalgata de Estrellas 'con los nombres más importantes del día en la era de la segregación, la realización de la Copa Cabana, el joven artista en hacerlo, y perfeccionar su arte, rodeado por los gustos de Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Frankie Lyman, y Chuck Berry.
En el momento de la llegada de los Beatles en los años sesenta, Anka tenía otra herramienta en su kit de supervivencia. "Después de unos cuantos golpes", dice, "Yo sabía que era un escritor, y con los escritores, el poder estuvo siempre en la pluma. Cuando empecé a escribir para Buddy Holly y Connie Francis, me sentí que me hizo diferente para la gente -. Me decían, '¡Hey, usted puede escribir, puede caer en algo "Entre sus logros de mayor orgullo fue escrito el premio de la Academia nominado al tema de El día más largo, la película de 1962 en el que también protagonizó.
Composición y la realización de "lo que se me dio la confianza para seguir adelante", dice. Convertirse en un socio menor de Sinatra y el Rat Pack también tenía sus privilegios. En los años 70, el éxito de "My Way" y una serie de éxitos como "(Eres) Having My Baby", confirmó su estatus como un icono de la música popular. Sus logros más tarde como un artista de la grabación incluye "Hold Me 'Til the Morning Comes", un dueto con el éxito de Peter Cetera en 1983, el álbum en español de Amigos en 1996, y el cuerpo de trabajo, un álbum de duetos de 1998 que contó con Frank Sinatra, Celine Dion, Patti LaBelle, Tom Jones y su hija Anthea Anka. Si esto no fuera suficiente, se reveló en su lanzamiento en 2009, que Anka co-escribió éxito póstumo uno en todo el mundo de Michael Jackson, "This Is It", que también ha cimentado su lugar a los compositores más prolíficos y versátiles de cualquier generación.
En 1956, convenció a sus padres que le dejaran viajar a Los Angeles, donde llamó a todas las empresas de registro en la guía telefónica en busca de una audición. Una reunión con Modern Records condujeron a la liberación del primer single de Anka, "Blau-Wile Deverest Fontaine." No fue un éxito, pero Anka mantiene tapar lejos, hasta el punto de colarse en el camerino de Fats Domino para conocer al hombre y su gerente en Ottawa. Cuando Anka regresó de Nueva York en 1957, marcó una reunión con Don Costa, el hombre de A & R para la cadena ABC-Paramount Récords. Le jugó un puñado de canciones que incluyeron "Diana" - Costa fue debidamente entusiasmados con el potencial de la joven cantante y compositor. El rápido éxito y la enorme cantidad de "Diana" - su primer número uno golpeado - le hizo una estrella.
"Todos ellos son muy autobiográficas", dice Anka de sus primeros éxitos. "Yo estaba solo, los viajes, las chicas gritando, y nunca tuve cerca de ellos. Soy un adolescente y sentirse aislado y todo eso. Eso se convierte en "Lonely Boy". En los saltos de registro, estoy en el escenario y todos estos niños son la celebración de unos a otros con la cabeza sobre los hombros del otro. Entonces tengo que ir a cenar en mi habitación, porque hay miles de niños fuera del hotel - "Pon tu cabeza en mi hombro" era totalmente esa experiencia.
Pronto Pablo se encontró viajando en autobús con la "Cabalgata de Estrellas 'con los nombres más importantes del día en la era de la segregación, la realización de la Copa Cabana, el joven artista en hacerlo, y perfeccionar su arte, rodeado por los gustos de Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Frankie Lyman, y Chuck Berry.
En el momento de la llegada de los Beatles en los años sesenta, Anka tenía otra herramienta en su kit de supervivencia. "Después de unos cuantos golpes", dice, "Yo sabía que era un escritor, y con los escritores, el poder estuvo siempre en la pluma. Cuando empecé a escribir para Buddy Holly y Connie Francis, me sentí que me hizo diferente para la gente -. Me decían, '¡Hey, usted puede escribir, puede caer en algo "Entre sus logros de mayor orgullo fue escrito el premio de la Academia nominado al tema de El día más largo, la película de 1962 en el que también protagonizó.
Composición y la realización de "lo que se me dio la confianza para seguir adelante", dice. Convertirse en un socio menor de Sinatra y el Rat Pack también tenía sus privilegios. En los años 70, el éxito de "My Way" y una serie de éxitos como "(Eres) Having My Baby", confirmó su estatus como un icono de la música popular. Sus logros más tarde como un artista de la grabación incluye "Hold Me 'Til the Morning Comes", un dueto con el éxito de Peter Cetera en 1983, el álbum en español de Amigos en 1996, y el cuerpo de trabajo, un álbum de duetos de 1998 que contó con Frank Sinatra, Celine Dion, Patti LaBelle, Tom Jones y su hija Anthea Anka. Si esto no fuera suficiente, se reveló en su lanzamiento en 2009, que Anka co-escribió éxito póstumo uno en todo el mundo de Michael Jackson, "This Is It", que también ha cimentado su lugar a los compositores más prolíficos y versátiles de cualquier generación.
Johnny Rivers
John Henry Ramistella conocido como Johnny Rivers
nació el 07 de noviembre 1942 en Nueva York
cantante estadounidense roll, compositor, guitarrista y productor discográfico. Él era lo suficientemente versátil como para hacer canciones folk, blues, y avivamientos de los viejos tiempos del rock 'n' roll canciones y algún material original. Ríos es el más grande éxito llegó en la década de 1960 a mediados y finales con una serie de canciones exitosas, incluyendo "Seventh Son", "Poor Side de la ciudad", "Lluvia de verano", y "Secret Agent Man"), pero no ha dejado de grabar y realizar hasta el presente.
Durante 1960, Ríos se reunió compañeros Luisiana James Burton, el guitarrista de Ricky Nelson. Burton recomienda más adelante una de las canciones de Rivers a Nelson, quien lo grabó. Durante 1961, Ríos se fue a Los Ángeles para conocer a Nelson, y luego se trasladó allí, trabajando como compositor y músico de estudio. Durante 1963, Ríos ha sustituido temporalmente por un grupo de jazz en el club nocturno de Bill Gazzarri, el concierto se convirtió en temporal a largo plazo debido a la respuesta positiva de los clientes.
Durante 1963, Ríos fue elegido por los productores de la serie de televisión británica "Danger Man", protagonizada por Patrick McGoohan, que, a cantar el tema principal de la versión de EE.UU., "Secret Agent". El espectáculo en sí no tuvo éxito, pero fue el tema. Aunque la canción fue un solo versículo (y después el coro se había registrado), Ríos tuvo la idea de añadir dos versos más, a continuación, disco en vivo en el Whiskey A-Go-Go, lo que se convirtió en su primer Top Ten de éxito (1964). "Secret Agent Man", anotó el número 4 en las listas de éxitos, y ayudó a iniciar la carrera de Rivers como cantante rentable.
Durante 1964, Elmer Valentine dio Ríos un contrato de un año para abrir en su nuevo club nocturno Whisky, a Go Go, de Sunset Strip en West Hollywood. El Whisky a Go Go abrió tres días antes de que los Beatles lanzaron "I Wanna Hold Your Hand" y la llamada "invasión británica" reduce las puntuaciones de las historias clínicas de casi todos los artistas musical americano. Sin embargo, Rivers fue tan popular que el productor Lou Adler decidió emitir Johnny Rivers en vivo en el Whiskey A Go Go . El álbum en directo anotado # 12 en las listas y el single "Memphis" alcanzó el Hit Parade de EE.UU. # 2 lugar en julio de 1964. De acuerdo a un amigo de Elvis Presley y el empleado Alan Fortas, Presley jugó a su amigo (Ríos) una prueba de presión de "Memphis" que Elvis había hecho pero no se libera. Ríos quedó impresionado y muy a pesar de Presley, Los Ríos grabó y lanzó, incluso la copia del acuerdo (Fortas escribe: "Después de eso, Johnny estaba en la lista negra de Elvis", y era persona non grata a partir de entonces). La versión de River vendió más que el gran Chuck Berry original, desde agosto de 1959, que se estancó en el puesto # 87 en los EE.UU.. (1963 versión instrumental Lonnie Mack de "Memphis", anotó el Hit Parade EE.UU. la parte superior cinco en julio, el de Chuck Berry original y su versión británica cubierta rival compitió en la lista de éxitos del Reino Unido en noviembre de 1963).
Rivers hizo una exitosa transición de actor a cantante famoso club nocturno de música popular y ha creado el llamado "Go Go de sonido", que forma parte de un acto que incluyó bailarinas go-go. Durante 1965, Ríos siguió registrando su mayor parte viven, Go-Go registros de estilo como "Maybellene" (otra tapa de Berry), después de que entró "Mountain of Love", "Midnight Special", "Seventh Son" (escrita por Willie Dixon) y "¿Dónde han ido todas las flores?" (Escrito por Pete Seeger), todos los cuales fueron éxitos.
Ríos quería probar algo diferente y adoptó un estilo más peculiar alrededor de 1966. Él produjo tales representaciones exitosas como "Poor Side Of Town", que sería su mayor éxito siempre, y su número de un solo registro de puntuación. Otro éxito fue "Secret Agent Man", el tema de la agente secreto serie de televisión (escrito por PF Sloan y Steve Barri). Él también comenzó su propia compañía discográfica, Soul City Records, donde ganó un premio Grammy como productor de la 5 ª Dimensión, que finalmente registró el "Aquarius / Let the Sunshine In" y "Wedding Bell Blues", dos éxitos número uno-con la empresa de Rivers. Johnny también se acredita con dar compositor Jimmy Webb gran ayuda cuando la 5 ª Dimensión grabado la canción de Webb "Up Up, and Away".
nació el 07 de noviembre 1942 en Nueva York
cantante estadounidense roll, compositor, guitarrista y productor discográfico. Él era lo suficientemente versátil como para hacer canciones folk, blues, y avivamientos de los viejos tiempos del rock 'n' roll canciones y algún material original. Ríos es el más grande éxito llegó en la década de 1960 a mediados y finales con una serie de canciones exitosas, incluyendo "Seventh Son", "Poor Side de la ciudad", "Lluvia de verano", y "Secret Agent Man"), pero no ha dejado de grabar y realizar hasta el presente.
Durante 1960, Ríos se reunió compañeros Luisiana James Burton, el guitarrista de Ricky Nelson. Burton recomienda más adelante una de las canciones de Rivers a Nelson, quien lo grabó. Durante 1961, Ríos se fue a Los Ángeles para conocer a Nelson, y luego se trasladó allí, trabajando como compositor y músico de estudio. Durante 1963, Ríos ha sustituido temporalmente por un grupo de jazz en el club nocturno de Bill Gazzarri, el concierto se convirtió en temporal a largo plazo debido a la respuesta positiva de los clientes.
Durante 1963, Ríos fue elegido por los productores de la serie de televisión británica "Danger Man", protagonizada por Patrick McGoohan, que, a cantar el tema principal de la versión de EE.UU., "Secret Agent". El espectáculo en sí no tuvo éxito, pero fue el tema. Aunque la canción fue un solo versículo (y después el coro se había registrado), Ríos tuvo la idea de añadir dos versos más, a continuación, disco en vivo en el Whiskey A-Go-Go, lo que se convirtió en su primer Top Ten de éxito (1964). "Secret Agent Man", anotó el número 4 en las listas de éxitos, y ayudó a iniciar la carrera de Rivers como cantante rentable.
Durante 1964, Elmer Valentine dio Ríos un contrato de un año para abrir en su nuevo club nocturno Whisky, a Go Go, de Sunset Strip en West Hollywood. El Whisky a Go Go abrió tres días antes de que los Beatles lanzaron "I Wanna Hold Your Hand" y la llamada "invasión británica" reduce las puntuaciones de las historias clínicas de casi todos los artistas musical americano. Sin embargo, Rivers fue tan popular que el productor Lou Adler decidió emitir Johnny Rivers en vivo en el Whiskey A Go Go . El álbum en directo anotado # 12 en las listas y el single "Memphis" alcanzó el Hit Parade de EE.UU. # 2 lugar en julio de 1964. De acuerdo a un amigo de Elvis Presley y el empleado Alan Fortas, Presley jugó a su amigo (Ríos) una prueba de presión de "Memphis" que Elvis había hecho pero no se libera. Ríos quedó impresionado y muy a pesar de Presley, Los Ríos grabó y lanzó, incluso la copia del acuerdo (Fortas escribe: "Después de eso, Johnny estaba en la lista negra de Elvis", y era persona non grata a partir de entonces). La versión de River vendió más que el gran Chuck Berry original, desde agosto de 1959, que se estancó en el puesto # 87 en los EE.UU.. (1963 versión instrumental Lonnie Mack de "Memphis", anotó el Hit Parade EE.UU. la parte superior cinco en julio, el de Chuck Berry original y su versión británica cubierta rival compitió en la lista de éxitos del Reino Unido en noviembre de 1963).
Rivers hizo una exitosa transición de actor a cantante famoso club nocturno de música popular y ha creado el llamado "Go Go de sonido", que forma parte de un acto que incluyó bailarinas go-go. Durante 1965, Ríos siguió registrando su mayor parte viven, Go-Go registros de estilo como "Maybellene" (otra tapa de Berry), después de que entró "Mountain of Love", "Midnight Special", "Seventh Son" (escrita por Willie Dixon) y "¿Dónde han ido todas las flores?" (Escrito por Pete Seeger), todos los cuales fueron éxitos.
Ríos quería probar algo diferente y adoptó un estilo más peculiar alrededor de 1966. Él produjo tales representaciones exitosas como "Poor Side Of Town", que sería su mayor éxito siempre, y su número de un solo registro de puntuación. Otro éxito fue "Secret Agent Man", el tema de la agente secreto serie de televisión (escrito por PF Sloan y Steve Barri). Él también comenzó su propia compañía discográfica, Soul City Records, donde ganó un premio Grammy como productor de la 5 ª Dimensión, que finalmente registró el "Aquarius / Let the Sunshine In" y "Wedding Bell Blues", dos éxitos número uno-con la empresa de Rivers. Johnny también se acredita con dar compositor Jimmy Webb gran ayuda cuando la 5 ª Dimensión grabado la canción de Webb "Up Up, and Away".
Simon & Garfunkel
Paul Simon nació en 1941 en Newark, New Jersey, de una familia de origen judeo-húngara. Art Garfunkel es de la misma quinta, y vió la luz en Queens, donde se había trasladado Simon a muy corta edad. Natural fue que, compartiendo tendencias y aficiones musicales, hicieran buenas migas en el instituto de Forest Hills donde se conocieron. Corría el año 1953, y ambos estudiaban cursos de segunda enseñanza.
Con quince años, decidieron, medio en serio, medio en broma, crear un dúo cantor, a imagen y semejanza de los ya famosos Everly Brothers, el dúo que creó escuela en cuanto a juegos y armonías vocales. Se hicieron llamar Tom y Jerry y, en el invierno de 1957, consiguieron un pequeño éxito con la canción "Hey Schoolgirl". Después, hubo otras grabaciones, pero los estudios les separaron. Garfunkel ingresó en la Universidad, y Paul prefirió concentrarse en su carrera de "song writer" y "folk singer", aunque también realizó cursos de literatura.
En 1964, volvieron a reunirse por una breve temporada para grabar su primer álbum, Wednesday Morning 3 A.M., un disco totalmente acústico muy en la línea del ambiente sonoro imperante en el Greenwich Village neoyorquino, con Bob Dylan al frente. Tuvo una escasa acogida popular, por lo que Art regresó a los estudios, mientras que Paul emigraba a Inglaterra, donde pensaba que había un más amplio y mejor circuito de locales y conciertos para mostrar sus composiciones.
Allí grabó The Paul Simon Songbook, una colección de temas en estado primigenio y desnudo que pocos años después se harían célebres en todo el mundo. Pero, mientras todo esto sucedía, el productor Tom Wilson había realizado una grabación del tema The Sounds Of Silence en clave folk-rock, es decir, con acompañamiento de instrumentos eléctricos (guitarra, bajo), teclados y percusiones, y lo había lanzado al mercado como "single".
La canción fue todo un bombazo y logró sin dificultad el número uno de Billboard y Cash Box, las listas de ventas más fiables de todo el mercado discográfico. Ante tanta demanda, Paul regresó urgentemente a casa y comenzó a trabajar con Arthur en nuevos arreglos de sus anteriores temas. El álbum subsiguiente, lógicamente titulado Sounds Of Silence (1965) corroboró el gigantesco triunfo y acabo por establecer a la pareja como la nueva sensación del "folk rock". El disco ha vendido, a lo largo de la historia, más de cinco millones de copias.
Una sucesión imparable de "hits" llegaron a continuación. I Am A Rock alcanzó el número 3 de los "charts", Homeward Bound, el 5; Scarbourough Fair/Canticle, el 11; At The Zoo, el 16... El siguiente álbum, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme (1966) no hizo sino confirmar las expectativas, y se mantenía fiel a los principios ideológicos y sonoros del dúo : unas voces casi sobrenaturales en su conjunción y en su dulzura, unos temas repletos de magia y poesía, no exentos de crítica social y profundización humanista ("Silent Night/Seven O'clock News" incluía un boletín de noticias sobre la sangrante guerra de Vietnam, así como alusiones a los discursos de Martin Lutero King, mártir de la integración racial).
Bookends (1968) fue otro gran disco, conceptual y austero, con piezas entrañables como Old Friends y, sobre todo, Mrs. Robinson, otro número uno en las listas de "singles". Fue una de las canciones incluidas en la banda sonora de la película El Graduado, de Mike Nichols, cuya partitura también firmó el dúo. La pareja enriquecía ahora su sonido con inclusión de efectos sonoros y cintas pre-grabadas, en la más pura línea de lo que por la época estaban también experimentando los mismísimos Beatles. Canciones como A Hazy Shade Of Winter (número 13 en Billboard) y Fakin' It (número 23) documentan bien esta época.
Con quince años, decidieron, medio en serio, medio en broma, crear un dúo cantor, a imagen y semejanza de los ya famosos Everly Brothers, el dúo que creó escuela en cuanto a juegos y armonías vocales. Se hicieron llamar Tom y Jerry y, en el invierno de 1957, consiguieron un pequeño éxito con la canción "Hey Schoolgirl". Después, hubo otras grabaciones, pero los estudios les separaron. Garfunkel ingresó en la Universidad, y Paul prefirió concentrarse en su carrera de "song writer" y "folk singer", aunque también realizó cursos de literatura.
En 1964, volvieron a reunirse por una breve temporada para grabar su primer álbum, Wednesday Morning 3 A.M., un disco totalmente acústico muy en la línea del ambiente sonoro imperante en el Greenwich Village neoyorquino, con Bob Dylan al frente. Tuvo una escasa acogida popular, por lo que Art regresó a los estudios, mientras que Paul emigraba a Inglaterra, donde pensaba que había un más amplio y mejor circuito de locales y conciertos para mostrar sus composiciones.
Allí grabó The Paul Simon Songbook, una colección de temas en estado primigenio y desnudo que pocos años después se harían célebres en todo el mundo. Pero, mientras todo esto sucedía, el productor Tom Wilson había realizado una grabación del tema The Sounds Of Silence en clave folk-rock, es decir, con acompañamiento de instrumentos eléctricos (guitarra, bajo), teclados y percusiones, y lo había lanzado al mercado como "single".
La canción fue todo un bombazo y logró sin dificultad el número uno de Billboard y Cash Box, las listas de ventas más fiables de todo el mercado discográfico. Ante tanta demanda, Paul regresó urgentemente a casa y comenzó a trabajar con Arthur en nuevos arreglos de sus anteriores temas. El álbum subsiguiente, lógicamente titulado Sounds Of Silence (1965) corroboró el gigantesco triunfo y acabo por establecer a la pareja como la nueva sensación del "folk rock". El disco ha vendido, a lo largo de la historia, más de cinco millones de copias.
Una sucesión imparable de "hits" llegaron a continuación. I Am A Rock alcanzó el número 3 de los "charts", Homeward Bound, el 5; Scarbourough Fair/Canticle, el 11; At The Zoo, el 16... El siguiente álbum, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme (1966) no hizo sino confirmar las expectativas, y se mantenía fiel a los principios ideológicos y sonoros del dúo : unas voces casi sobrenaturales en su conjunción y en su dulzura, unos temas repletos de magia y poesía, no exentos de crítica social y profundización humanista ("Silent Night/Seven O'clock News" incluía un boletín de noticias sobre la sangrante guerra de Vietnam, así como alusiones a los discursos de Martin Lutero King, mártir de la integración racial).
Bookends (1968) fue otro gran disco, conceptual y austero, con piezas entrañables como Old Friends y, sobre todo, Mrs. Robinson, otro número uno en las listas de "singles". Fue una de las canciones incluidas en la banda sonora de la película El Graduado, de Mike Nichols, cuya partitura también firmó el dúo. La pareja enriquecía ahora su sonido con inclusión de efectos sonoros y cintas pre-grabadas, en la más pura línea de lo que por la época estaban también experimentando los mismísimos Beatles. Canciones como A Hazy Shade Of Winter (número 13 en Billboard) y Fakin' It (número 23) documentan bien esta época.
Dave Maclean
Hijo de españoles, José Carlos González conocido como Dave Maclean nació en 1944 en Sao Paulo (Brasil). Antes de empezar su carrera en solitario, entró a formar parte como guitarrista y cantante en el 65 del grupo brasileño The Snakes, que más tarde derivaría en Os Botoes (1967), para finalmente en 1969 quedarse con el nombre final...The Buttons. Con ellos grabó algunos sencillos y un larga duración, haciendo versiones de los Beatles y otros grandes grupos del momento. Desligado ya de la banda a principios de los setenta, comienza ahora su etapa como magistral baladista romántico, siendo de los primeros artistas brasileños en grabar en inglés. Su primer gran éxito le llegaría en el 73 con el hit "Me and you" (tema de la telenovela Os ossos do Barao), más tarde vendrían temas como "Tears" (Lágrimas en mi rostro), el cover "Solitaire" o "Chance of love" (Mi amor te seguirá),etc... todos ellos del 74. Es en ese mismo año cuando Dave conseguiría el que sería todo un número uno, canción por la cual ganó varios discos de oro en su país y fuera de él "We said goodbye" (Nos dijimos adiós). Para 1980, decide dar un rumbo a su carrera y funda el grupo Dollar and Company, cambiando el estilo musical que había llevado hasta ese momento por otro de aires country rock americano, versionando en sus primeros discos temas de los Beatles, juntos estuvieron por más de quince años. A mediados de los noventa y ya establecido en los EE.UU., de nuevo decide formar una nueva banda, los Country Montana, que seguía la estela del anterior, aunque aprovechando la corriente de modernización que la música country vivía esos años. En la actualidad, aparte de la composición para otros artistas, sigue haciendo presentaciones y cantando sus viejos éxitos y lo mejor de otros contemporáneos suyos.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)